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Art Laboratory Berlin

 

Prinzenallee 34

13359 Berlin

 

Tel.: 0172.1765559

Email: info@artlaboratory-berlin.org

Web: www.artlaboratory-berlin.org

Nächste Ausstellung:

Alinta Krauth, Under-Mine, interactive video installation, still from animation (detail), 2017

Nonhuman Subjectivities: Under-Mine

Alinta Krauth.

 

Vernissage: Samstag 25. Februar 2017

Künstleringespräch: 26. Februar 2017

Ausstellung läuft 26. Februar - 2. April 2017, Fr- So 14-18Uhr u.n.V.

 

Das Ausstellungsprojekt untersucht Probleme und Möglichkeiten, nichtmenschliche Wahrnehmung über die Schnittstelle künstlerischer Praxis und neuester Technologie zu kommunizieren. Durch interaktive und nicht-interaktive Videoarbeiten, die generative und zeitbasierte Techniken nutzen, entwickelt die australische Künstlerin Alinta Krauth mögliche Narrative von Tieren, die durch den Klimawandel bedroht sind.

 

In ihrer neuesten Arbeit Under-Mine (2017), die sie speziell für Art Laboratory Berlin entwickelt hat, treffen sich Video, generative Kunst, Datenvisualisierung und ein intensives Studium über neueste Forschungen zu Tierwahrnehmung und -kognition. Krauth stellt damit narrative Wege als Treffpunkt zwischen menschlichem und nichtmenschlichem zur Diskussion. Da die Wahrnehmungsweise jeder Spezies einzigartig ist und oft über das menschliche Wissen hinausgeht, bedient sich Krauth vielfältiger technologischer Werkzeuge, um nichtmenschliche Wahrnehmungen zu navigieren und übersetzen.

 

Mit datenbasierten Videos und Klängen, handgezeichneten Animationen und digitalen interaktiven Elementen entwirft Krauth vier Erzählungen - über die Fledermaus, das Wildpferd, die Waldlaus und die Gebirgseidechse. Alle folgen einer ähnlichen Handlung: es wird versucht, das Artensterben zu überwinden. Die Künstlerin versteht abstrakte visuelle Zeichen und akustische Wahrnehmung als Sprache, als Interaktion mit einer immersiven Umgebung und einer sinnorientierten, weniger linearen Erzählung. Sie bemerkt, dass "eine Möglichkeit, eine Erzählung von einem oder für ein nichtmenschliches Tier zu erzählen, darin besteht, die Sinne zu betrachten, die in anderen Arten stärker sind als beim Menschen: zum Beispiel Echoortung, Magnetorezeption, Hygrorezeption, Chemorezeption und möglicherweise Propriozeption."

 

Das Projekt nutzt die Tradition der interaktiven und game-basierten elektronischen Kunst, die den menschlichen Körper mit dem Geschichtenerzählen verbindet. Krauth schlägt vor, dies zur Erkundung zwischenartlicher Empathie zu nutzen. Durch die Interaktion nimmt das Publikum mehrere Rollen ein: Charakter, Schöpfer und Betrachter. Der Künstlerin ist bewusst, dass die Erzählung selbst ein sehr menschliches Konstrukt ist und dass jeder Versuch, Tierwahrnehmung zu erleben, von Natur aus anthropozentrisch ist. Under-Mine testet die Grenzen zwischen Mensch und Tier und lädt uns ein, unsere übliche Subjekt-Objekt-Beziehung zu allem nichtmenschlichen zu überdenken.

 

Regine Rapp & Christian de Lutz (Kuratoren)

Next exhibition

Alinta Krauth, Under-Mine, interactive video installation, still from animation (detail), 2017

Nonhuman Subjectivities: Under-Mine.

Alinta Krauth

 

Vernissage: Saturday 25 February, 2017

Artist talk on 26 February, 2017 at 3PM

Exhibition runs 26 February- 2 March, 2017, Fri -Sun 2-6PM and by appointment

 

 

The exhibition project investigates the problematics and possibilities of communicating nonhuman perception through the interface of artistic practice and new technologies. By means of interactive and non-interactive video that use generative and time-based techniques the Australian artist Alinta Krauth considers potential narratives of animals under threat from climate change.

 

Alinta Krauth's new project Under-Mine (2017), especially developed for Art Laboratory Berlin, uses video, generative art, data visualisation and an intensive study into the science of animal perception and cognition to propose narrative paths towards a meeting point of the human and nonhuman. Taking into account that each species' way of sensing the world is unique, and often beyond the ken of human experience, Krauth makes use of a diverse technological toolbox to navigate and translate nonhuman perceptions.

 

By means of data generated video and sound, hand drawn animation, and digital interactive elements, Krauth creates four 'narratives' - bat, wild horse, woodlouse, and rock lizard - that follow a similar plot line: the attempt to survive a species die-off. The artist introduces abstract visual and aural perception as language, interaction with an immersive environment, and a sense-oriented, rather than linear narrative. In her own words she discerns that "one way to tell a narrative of, or for, a nonhuman animal is to consider the senses that are stronger in other species than in humans, for example echolocation, magnetoreception, hygroreception, chemoreception, and possibly proprioception."

 

The project makes use of a tradition of interactive and game related electronic art, which connects the human body to storytelling, but proposes using this to explore the possibilities of inter-species empathy. Through interaction the audience wavers between being a character, a creator, and a viewer. While the artist is well aware that narrative is itself a very human construct, and that any attempt to experience animal perception is bound to be inherently anthropocentric, Under-Mine seeks to push at the boundaries between the human and animal, and dislodge us from our usual subject-object relation to the nonhuman.

 

Regine Rapp & Christian de Lutz (curators)

 

Vorspiel Programm der transmediale/CTM - iGEM SciArt Cafe, DIYBio NOW, Mycelium Network Society (DE)

DIYBio NOW

17. Februar, 19-22 Uhr

18. Februar, 12-20 Uhr

19. Februar, 12PM-18 Uhr

Ort: Art Laboratory Berlin

 

DIYBio faire, organisiert von Biotinkering Berlin

Die 3-tägige Bio-Messe möchte die Berliner Biohacking Szene zusammen bringen und präsentiert praktische Workshops, Gespräche und eine Ausstellung mit einer einzigartigen DIY Laborausrüstung. Die Veranstaltung zielt auf die Nichtkategorisierbarkeit von Natur und bemüht sich daher, die verloren gegangene Beziehung dem Menschen und den ältesten Organismen der Erde wiederherzustellen: Bakterien, Algen und Pilze.

 

 

Mycelium Network Society

24. Februar 2017

Art Laboratory Berlin wird an der Podiusmdiskussion der Mycelium Network Society teilnehmen (Teil der transmediale ever elusive).

Ort: silent green Kulturquartier, Gerichtstraße 35, 13347 Berlin

 

 

Nächste Ausstellung:

 

Nonhuman Subjectivities: Under-Mine.

Alinta Krauth

 

Vernissage: Samstag 25. Februar 2017

Künstleringespräch: 26. Februar 2017

Ausstellung läuft 26. Februar - 2. April 2017, Fr- So 14-18Uhr u.n.V.

 

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SciArt Café mit BIOMOD und iGEM Team Berlin

29. Januar 2017, 15-18 Uhr

 

Das iGEM Berlin-Team (http://igem.berlin/) lädt ein zum 5. SciArt-Café mit dem Thema "Synthetische Biologie. Ein Werkzeugsatz zur Lösung der Pobleme der Menschheit". Naturwissenschaftler und Künstler werden Projekt mit Biowissenschaften vorstellen und im Anschluss Themen der synthetischen Biologie diskutieren.

 

1. Nikolaj Koch - Einführung in SynBio, iGEM Berlin 2015-17. Synthetische Biologie zur Säuberung des Wassers von Mikrokunststoffen

2. Svenja Nierwetberg - Auf der Suche nach Parasiten. Searching for parasites. Synthetische Biologie zur Diagnostik (iGEM Charité)

3. Prof. Vera Meyer - Fungal Bioart: Die Verbindung zwischen naturwissenschaftlichen und künstlerischen Ansätzen in der Mikrobiologie

4. Weitere Präsentationen über Kunst und Biologie

 

  

Der Januar & Februar 2017 Programm des Art Laboratory Berlin findet im Rahmen des Vorspiel-Programms der transmediale und CTM 2017 statt.

Courtesy iGEM Team Berlin

Vorspiel Program of the transmediale/CTM - iGEM SciArt Cafe, DIYBio NOW, Mycelium Network Society (EN)

DIYBio NOW

17 Feb. 7-10PM

18 Feb. 12PM-8PM

19 Feb. 12PM-6PM

 

DIYBio faire Organized by Biotinkering Berlin

The three-day bio-fair brings together the players in the Berlin biohacking scene for a series of hands-on workshops, talks and a special exhibition featuring unique DIY laboratory equipment. The bio-fair focuses on the elusiveness of nature, trying to rebuild the lost connection between humans and the oldest organisms on Earth: bacteria, algae and fungi.

 

 

Mycelium Network Society

February 24,2017

Art Laboratory Berlin will be taking part in the discussions at the opening event of the Mycelium Network Society (part of transmediale ever elusive).

silent green Kulturquartier

Gerichtstraße 35

13347 Berlin

 

 

Next Exhibition:

 

Nonhuman Subjectivities: Under-Mine.

Alinta Krauth

 

Vernissage: Saturday 25 February, 2017

Artist talk on 26 February, 2017 at 3PM

Exhibition runs 26 February- 2 March, 2017, Fri -Sun 2-6PM and by appointment

 

 

 

SciArt Café with BIOMOD and iGEM Team Berlin

29 January, 2017 3-6PM

 

The iGEM Berlin team (http://igem.berlin/) presents their fifth SciArt Café. Under the main theme of "Synthetic Biology - a toolkit for solving humanity's problems" we will hear scientists and artists working with bioscience and afterwards discuss topics of synthetic biology.

1. Nikolaj Koch - Introduction into SynBio, iGEM Berlin 15-17, Using Synthetic Biology to clean our water from microplastics

2. Svenja Nierwetberg - Searching for parasites - Using synthetic biology for diagnostics (iGEM Charité)

3. Prof. Vera Meyer - Fungal Bioart : Combining scientific and artistic approaches in microbiology

4. plus additional talks on biology and the arts

 

 

 

Art Laboratory Berlin's upcoming events for January & February 2017 are part of the Vorspiel programme of the transmediale and CTM 2017

Courtesy the Berlin iGEM team

Nonhuman Subjectivities: Aural Aquatic Presence - Robertina Šebjanič 3.9.-9.10.2016 (DE)

Robertina Šebjanič, 'Aurelia 1+Hz / proto viva generator', Installation mit lebenden Einheiten, 2014. Photo: Hana Jošič

Nonhuman Subjectivities

Aural Aquatic Presence

 

Robertina Šebjanič

  

Vernissage: Freitag 2. September 2016, 20 Uhr

Laufzeit: 3. September – 9. Oktober 2016

Öffnungszeiten: Fr – So, 14-18 Uhr u. n. Vereinbarung

 

Seminar: Living Systems | Aquatic Systems

with Robertina Šebjanič, Kat Austen, Regine Rapp

and Christian de Lutz: 18. September 2016, 14-18 Uhr

(Anmeldung erforderlich)

  

Die Ausstellung untersucht Wirkung und Empfindung eines der ‚einfachsten’ mehrzelligen Wesen – der Qualle. Diese wird mit einer der vom Menschen gemachten Maschinen in Verbindung gebracht. Das Ausstellungsprojekt thematisiert die Bedeutung von Sound in Meeresgewässern sowie die Auswirkungen menschlicher Eingriffe auf auditive aquatische Systeme.

 

In ihrer Werkreihe 'Aurelia 1+Hz' setzt sich die in Ljubljana lebende Künstlerin Robertina Šebjanič mit biopolitischen und technologischen Versuchen der Lebensverlängerung auseinander und reflektiert Formen des Zusammenlebens verschiedener Arten. Šebjanič, die für ihre Projekte mit Marinebiologen aus der ganzen Welt kooperiert, hat sich für die Arbeit mit Quallen entschieden – Tiere, die seit mehr als 500 Mio. Jahren auf unserer Erde existieren.

 

Ihre interaktive Installation 'Aurelia 1+Hz / proto viva generator' von 2014 basiert auf einer wechselseitigen Koexistenz von Tier und Maschine. Im Gegensatz zu Robotern, die durch digitale künstliche Intelligenz gesteuert werden, bedient sich dieses Projekt ausgewählter Tiere, um einer einfachen Maschinen Leben ‚einzuhauchen’, um sich sozusagen durch die Maschine auszudrücken. Die Quallen steuern die gesamte Installation: den mechatronischen Teil sowie Video und Sound. Die Bewegungen und Kontraktionen der Quallen werden von einer HD-Kamera aufgezeichnet. Die Aufnahmen werden dann in Echtzeit in Codes verwandelt, die wiederum die Mechanismen der Installation steuern.

 

2015 hat Šebjanič 'Aurelia 1+Hz / proto viva sonification' realisiert – eine audiovisuelle Performance mit lebenden Einheiten. Die Künstlerin hat das 'Aurelia 1+Hz-Projekt' erweitert, um Phänomene der zwischenartlichen Kommunikation, Sonifikation der Umgebung sowie die Akustik des jeweiligen Raumes, das die Wesen umgibt, zu erkunden. „Die sound loops“, erklärt Šebjanič, „enthalten Aufnahmen von Quallen in einer begrenzten Umgebung, die sich mit bereits aufgezeichneten Sound-Experimenten aus dem Meer zu einem generative score vermischen, insgesamt eine intensive immersive klangliche und visuelle Erfahrung.“

 

Šebjaničs derzeitiges Projekt 'Subaquatic / Aquatocene sound scape' von 2016 untersucht das Phänomen akustischer Belästigungen unter Wasser, die in Meeren und Ozeanen durch den Menschen verursacht werden. Während der letzten Jahre hat die Künstlerin eine Anzahl von Aufnahmen gemacht, bei denen sie Hydrophone, Unterwasserschallempfänger, benutzt hat. Für die Ausstellung hat sie eine Sound-Installation mit ausgewählten Aufnahmen aus ihrem Archiv produziert, die sich mit menschlicher Lärmbelästigung kritisch auseinander setzt. Unterwasserlärm betrifft eine ganze Reihe mariner Lebensformen, die auf bestimmte subaquatische akustische Milieus existentiell angewiesen sind.

 

Regine Rapp und Christian de Lutz (Kuratoren)

 

Mehr Informationen: http://artlaboratory-berlin.org/html/de-ausstellung-archiv.htm

Nonhuman Subjectivities: Aural Aquatic Presence - Robertina Šebjanič 3.9.-9.10.2016 (EN)

Robertina Šebjanič, 'Aurelia 1+Hz / proto viva generator', Installation with living system, 2014 Photo: Hana Jošič

Nonhuman Subjectivities

Aural Aquatic Presence

 

Robertina Šebjanič

 

Opening: 2 September 2016, 8PM

Exhibition runs: 3 September - 9 October, 2016

Fri-Sun, 2-6PM and by appointment

  

Seminar: Living Systems | Aquatic Systems

with Robertina Šebjanič, Kat Austen, Regine Rapp

and Christian de Lutz: 18 September, 20162-6PM

(registration required)

 

The exhibition investigates agency and sentience in one of the 'simplest' of multicellular creatures: the jellyfish, placing it into relation with a human made machine. Also noteworthy here is the importance of sound in marine systems, as well as the effects of human intervention on aural aquatic systems.

 

In her series of works 'Aurelia 1+Hz' the Ljubljana based artist Robertina Šebjanič is interested in both biopolitical and technological attempts at the prolongation of life as well as a new critical reflexion of interspecies cohabitation. Šebjanič, whose work involves intensive cooperation with marine biologists from around the globe, has chosen to work with jellyfish, which have existed on earth for over 500 million years.

 

Her interactive installation 'Aurelia 1+Hz / proto viva generator' from 2014 proposes the mutual coexistence of animal and machine. In contrast to robots, which are driven by digital artificial intelligence, this project uses a living organism to bring life to a simple machine, and in a way, to express itself through the machine. Living jellyfish actually run the installation: the mechatronic part, video and sound. The movements and contractions of the jellyfish are recorded by HD camera. The captured data is then transformed in real time into code, which in turn navigates the mechanisms of the installation.

 

'Aurelia 1+Hz / proto viva sonification' was realized in 2015 as an audio – visual performance with living system, where the artist extended the 'Aurelia 1+Hz' project to challenge the phenomena of interspecies communication, sonification of the environment and the acoustic of the specific space surrounding the creatures. Šebjanič explains: "Sound loops containing recordings of jellyfish in a closed environment and pre-recorded sonic experiments from the sea are mixed in generative score, which is assembled into immersive sonic and visual experience."

 

Šebjanič's current project 'Subaquatic / Aquatocene sound scape' from 2016 investigates the phenomenon of underwater noise pollution created by humankind in the seas and oceans. Over the last few years Šebjanic has produced a number of recordings using hydrophones. From this archive she presents a sound work in the exhibition, which explores the phenomenon of human sound pollution. Underwater noise effects a great number of marine life forms, who depend on the subaquatic sonic environment to survive.

 

Regine Rapp & Christian de Lutz (curators)

 

More information: http://artlaboratory-berlin.org/html/eng-exh-archive.htm

Bio & Beers - Biotinkering Berlin bei ALB / at ALB

Das Format 'Bio & Bier' ist offen für alle: wir beginnen mit einer 20-minütigen Präsentation, gefolgt von einer Diskussion mit der Möglichkeit, ein Bierchen zu trinken

 

Für eine bessere Organisation: bitte meldet Euch an

 

An gelegentlichen SAMSTAGEN veranstaltet Biotinkering e.V. einen praktischen Workshop, der sich mit unterschiedlichen Mikroorganismen auseinander setzt.

. Mehr Information unter: https://www.meetup.com/Biotinkering-Berlin.

 

Ein Projekt der Dr. Mirela Alister, Rüdiger Trojok und Biotinkering e.V.

 

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The Bio & Beers format is for everyone: we start with a 20 minutes presentation, followed by discussions while having beers.

 

To help us with organization, please register

 

On occasional SATURDAYS we host a hands-on workshops that focuses on various micro-organisms. More info on https://www.meetup.com/Biotinkering-Berlin.

 

A project of Dr. Mirela Alister, Rüdiger Trojok and Biotinkering e.V.

Nonhuman Subjectivities: On Animals. Cognition, Senses, Play 28.05.-17.07.2016 (DE)

Links: Maja Smrekar, I Hunt Nature and Culture Hunts Me, 2014, Videoaufzeichnung der Performance; rechts: Rachel Mayeri, Apes as Family, 2012, Film

Nonhuman Subjectivities

On Animals. Cognition, Senses, Play

 

Rachel Mayeri   Maja Smrekar

 

 

Vernissage: 27. Mai 2016, 20 UhrArtists Talk: 29. Mai 2016, 15 UhrDialog und Finissage: 17. Juli 2016, 15 UhrAusstellungslaufzeit: 28. Mai - 17. Juli 2016, Fr-So, 14-18h und nach Vereinbarung (24. Juni geöffnet bis 21 Uhr)

 

Art Laboratory Berlin freut sich, die neue Reihe Nonhuman Subjectivities vorzustellen. Ausgehend von gegenwärtigen philosophischen Theorien zur Objekthaftigkeit und einer Kritik am Anthropozentrismus richtet sich unsere Aufmerksamkeit auf nichtmenschliche Akteure.

 

Die Ausstellung 'On Animals. Cognition, Senses, Play' untersucht zwei Arten von Tieren, die eine beeindruckende kognitive Nähe zum Menschen aufweisen: Primaten, unsere nächstliegenden Verwandte, besitzen komplexe kognitive Systeme, die denen der Menschen stark ähneln, sich aber auch in gewissen Bereichen radikal unterscheiden. Hunde, die dem Menschen nächstliegenden Begleiter der gesamten Tierwelt, haben sich neben dem Menschen über 30.000 Jahre lang weiterentwickelt. Allen gemeinsam ist der von Donna Haraway formulierte Begriff des 'Miteinanderhandelns': Durch die Überwindung konventioneller Dichotomien von Natur/Kultur, Mensch/Tier oder Subjekt/Objekt geht es vielmehr um ein gemeinsames Agieren. In ihren Arbeiten zu Tieren (Primaten, Hunde und Wölfe) setzen die beiden Künstlerinnen Maja Smrekar und Rachel Mayeri auf bestimmte Strategien des Narrativen und das Phänomen der Immersion, um sich dadurch der Perspektive eines nichtmenschlichen Gegenübers anzunähern. Sie stellen den Instinkt und die Sinne des Nichtmenschlichen ins Zentrum ihrer künstlerischen Forschung. Mittels Performance, Film und Kunst-Naturwissenschafts-Kollaborationen versuchen beide, die Kognitionsfähigkeit des Nichtmenschlichen zu übersetzten.

 

Maja Smrekars Performance 'I Hunt Nature and Culture Hunts Me', im Rahmen einer Künstlerinnenresidenz in einem Tierheim für Wölfe entstanden, untersucht die Phylogenetik des Wolfs, die Wolf-Hund-Mensch-Beziehung und setzt sich mit der Tierethik auseinander. Das implizierte Risiko und die Intimität in Smrekars Performance mit den hybriden Wolfshunden wird durch rezitierte Texte von Joseph Beuys, Oleg Kulik und Smrekar kontrastiert. Ein Dokumentarfilm gibt Auskunft über die komplexe Evolutionsgeschichte des Hundes.

 

In ihrer Arbeit 'Ecce Canis' untersucht die Künstlerin metabolische Prozesse, die emotionale Motive für eine tragende Verbindung zwischen Mensch und Hund angestoßen haben, die erfolgreich koexistieren. Die Ausstellung stellt auch das Serotonin der Künstlerin und dem Border Collie Byron vor. Mittels chemischer Protokolle wurde es in einen Duft transformiert, der die chemische Essenz ihrer Mensch-Hund-Beziehung darstellt.

 

Für ihre Filme hat die in Los Angeles lebende Künstlerin Rachel Mayeri in den letzten Jahren mit Primatolgen zusammen gearbeitet. Im Rahmen ihrer Serie 'Primate Cinema' hat sie Filme für und über Schimpansen und andere Menschenaffen geschaffen. In 'Apes as Family' können wir ein Drama verfolgen, das eine Geschichte über die sozialen Bräuche von Schimpansen sowie ihre Domestizierung erzählt. Einerseits spricht uns, als menschliche Betrachter, die teils dramatische Handlung emotional an, andererseits sehen wir wiederum die Reaktionen des Schimpansen-Publikums, die denselben Film auf einem großen TV-Monitor sehen. So erweist sich der Film als gelungenes Beispiel für das 'Primate Cinema', als Film für nichtmenschliche Primaten, aber auch für die komplexen Zusammenhänge des artenübergreifend Verständnisses. Mayeris Film 'Baboons as Friends' stellt Filmmaterial mit Pavianen einem Film-Noir-Reenactment mit menschlichen Schauspielern gegenüber und zeigt die Geschichte von Lust, Eifersucht und Betrug von Tieren und Menschen.

 

Regine Rapp & Christian de Lutz (Kuratoren)

 

Mehr Informationen: http://artlaboratory-berlin.org/html/de-ausstellung-40.htm

Nonhuman Subjectivities: On Animals. Cognition, Senses, Play 28.05.-17.07.2016 (EN)

Left: Maja Smrekar, I Hunt Nature and Culture Hunts Me, 2014, performance and video; right Rachel Mayeri, Apes as Family, 2012, Film

Nonhuman Subjectivities

On Animals. Cognition, Senses, Play

 

Rachel Mayeri   Maja Smrekar

 

Opening: 27 May, 2016, 8PM

Artists talk: 29 May, 2016, 3PM

Dialog and closing reception: 17 July, 2016, 3PM

Exhibition runs: 28 May– 17 July, 2016, Fri-Sun 2-6PM and by appointment. (24 June open until 9PM)

 

Art Laboratory Berlin is pleased to present the new series Nonhuman Subjectivities. Based on current philosophical theories of the object and a critique of anthropocentrism, our attention is focused on non-human actors.

 

The exhibition 'On Animals. Cognition, Senses, Play' investigates two groups of animals that are closest to us. Primates, our nearest 'relatives', have a complex cognitive proximity to humans, but also differ radically in certain areas. While dogs, with whom we have made a symbiotic contract., have evolved alongside us over the last 30,000 years. The works in this exhibition share Donna Haraway's concept of 'cooperative actions': overcoming conventional dichotomies of nature/culture, human/animal or subject/object is all about joint action. The artists, Maja Smrekar and Rachel Mayeri, make use of certain narrative strategies and the phenomenon of immersion, to approach the perspective of a nonhuman counterpart. The works of both artists place the instinct and the senses of the nonhuman at the centre of artistic research, while aiming to translate the nonhuman cognitive ability by means of the performance, film and art/science collaboration.

 

Maja Smrekar's performance 'I Hunt Nature and Culture Hunts Me', created during a research residency, investigates the phylogenetics of the wolf, the wolf-dog-human relationship and animal ethics. The implied risk and intimacy of Smrekar's performance with hybrid wolfdogs is contrasted by the reading of cultural texts from Joseph Beuys, Oleg Kulik and Smrekar. A documentary film also explores the complex evolutionary story of the canine.

 

In her work 'Ecce Canis' she explores the metabolic pathway processes that trigger emotional motifs which bind humans and dogs and let them successfully coexist together. The installation contains serotonin from both the artist and her Scottish border collie Byron, which has been transformed by chemical protocols into an odour - the chemical essence of their human-canine relationship.

 

The films of Rachel Mayeri are the result of years of collaboration with primatologists. In her series 'Primate Cinema', Mayeri has made films for (and about) chimpanzees and other primates. In 'Apes as Family' we watch a drama based on a tale of both chimpanzee social customs and domestication. While, as humans, we find the plot emotionally compelling, we also become caught up with watching the reactions of a chimpanzee audience watching the same film on a large TV. Indeed the film is both an example of 'Primate Cinema', that is a film made for nonhuman primates, and the complexities of cross-species understanding. Mayeri's film 'Baboons as Friends' juxtaposes footage of baboons with a film noir reenactment by human actors, who translate a tale of lust, jealousy and deceit from the animal to the human.

 

Regine Rapp & Christian de Lutz (curators)

 

More information: http://artlaboratory-berlin.org/html/eng-exh-40.htm

 

Nonhuman Subjectivities: The Other Selves. On the Phenomenon of the Microbiome 27.02.-30.04.2016 (DE)

Links: François-Joseph Lapointe, Microbiome selfie, 2014 Mitte & rechts: Saša Spačal, Mirjan Švagelj, Anil Podgornik Mycophone Unison,Responsive Installation: Elektronic, Klang, und biologische Materialen, 2013; Petri dish, Installation Detail 2013

Nonhuman Subjectivities

The Other Selves. On the Phenomenon of the Microbiome

 

François-Joseph Lapointe, Saša Spačal with Mirjan Švagelj and Anil Podgornik , Tarsh Bates , Joana Ricou

 

 

Performance - 1000 Handshakes: 3. Februar 2016. 19-22 Uhr während Eröffnung der transmediale, Haus der Kulturen der Welt

Vernissage: 26. Februar 2016, 20 Uhr

Künstler/innengespräch: 28 Februar 2016, 15Uhr

Ausstellung: 27. Februar – 30. April, 2016 || Fr-So 14-18 Uhr u.n.V. (von 25.- 27. März geschlossen)

 

Die Ausstellung, die erste unserer neuen Ausstellungsreihe Nonhuman Subjectivities, zeigt verschiedene künstlerische Positionen zum komplexen mikrobiellen Milieu am und im menschlichen Körper. Wissenschaftler behaupten, dass es genauso viele Bakterien wie menschliche Zellen in unserem Körper gibt. Das Phänomen des Mikrobioms wirft also eine Menge grundlegender Fragen über die menschliche Identität und unsere Beziehung zu unseren multiplen Entitäten auf.

 

François-Joseph Lapointe verbindet seine biologische Forschung mit Performancekunst. Seine jüngsten künstlerischen Arbeiten thematisieren das Mikrobiom in Verbindung mit unserem alltäglichen Leben und der physischen Beziehung zu anderen. Lapointe sequenziert sein eigenes Mikrobiom, um metagenomische Selbstportraits zu schaffen, sogenannte Microbiome Selfies, welche die Metamorphose seines bakteriellen Selbst illustrieren. In der Ausstellung werden neue Arbeiten seiner Performance 1000 Handshakes zu sehen sein, die er vor kurzem in der Eröffnungsnacht der transmediale 2016 realisierte. Die Bilder zeigen den mikrobiellen Verlauf während der Interaktion mit dem Mikrobiom anderer - so zum Beispiel beim Händeschütteln, einer grundlegenden und uralten Form der Beziehungspflege.

 

Saša Spačal zusammen mit Mirjan Švagelj und Anil Podgornik untersuchen die Dichotomie des Einsseins des menschlichen Körpers zwischen biologischer Einheit zum einen und Vielheit des menschlichen Mikrobioms zum anderen. In ihrer Installation Mycophone_unison entwickelte das Kunst-Wissenschaft-Design-Team eine auditive Landkarte der Interaktionen ihrer Mikrobiome und uns Rezipienten: Indem die Besucher ihren Fingerabdruck hinterlassen, senden sie ein Signal an die Karte, die dies durch die zentrale Himmelsplatte an die drei Mikrobiome weitergibt und verarbeitet. Die polymodale Sonifikation betont dabei die Vielfältigkeit der Macher/innen.

 

Tarsh Bates untersucht künstlerisch, was es bedeutet, Mensch zu sein, wenn unser Körper mit mehr als einer Billion Zellen ausgestattet ist, von denen doch nur die Hälfte menschliche sind. Ihre neue Arbeit Surface dynamics of adhesion besteht aus einem beflockten Tapetenmodell. Auf der Grundlage des Bluts der Künstlerin und in Plexiglas-Rahmen dicht verschlossen entwickelt ein Candida bestimmte Muster, die in den Salons der viktorianischen Zeit populär waren. Die Arbeit ermöglicht ästhetische Erfahrungen über die Kontaktzonen zwischen den zwei völlig unterschiedlichen Organismen. Darüber hinaus thematisiert die Installation die unbewusste Beziehung, die wir zu Candida haben.

 

Joana Ricous Fotografien, mikrobielle Gemälde und Performances verlaufen jenseits der traditionellen Grenze zwischen Organismus und Umgebung. Ricou sammelt Proben ihres eigenen Mikrobioms und das ihrer Umgebung, kultiviert diese im Labor, um sie anschließend zu visualisieren. Daraus sind zwei Portrait-Serien entstanden: Other-self Portraits, ein Gemisch von Kulturen ihres eigenen Körpers; und Non-self Portraits, ein Gemisch von umgebenden Kulturen.

 

Regine Rapp & Christian de Lutz (Kuratoren)

 

 

Mehr Informationen: http://artlaboratory-berlin.org/html/de-ausstellung-archiv.htm

 

Mit der freundlichen Unterstüzung von:

 

 

 

 

Kooperationspartner:

 

 

 

Medienpartner:

 

 

Ermöglicht durch eine großzügige Unterstützung von Michael Schröder.

Nonhuman Subjectivities: The Other Selves. On the Phenomenon of the Microbiome 27.2.-30.04.2016 (EN)

left: François-Joseph Lapointe, Microbiome selfie, 2014, center & right: Saša Spačal, Mirjan Švagelj, Anil Podgornik Mycophone Unison, Responsive installation: electronics, sound, and biological material, 2013; Petri dish, detail of installation 2013

Nonhuman Subjectivities

The Other Selves. On the Phenomenon of the Microbiome

 

François-Joseph Lapointe, Saša Spačal with Mirjan Švagelj and Anil Podgornik, Tarsh Bates, Joana Ricou

 

Performance - 1000 Handshakes: 3 February, 7-10PM during the opening of transmediale, House of World Cultures

Opening of the exhibition: 26 February, 2016, 8PM

Artists' Talk: 28 February, 2016, 3PM

Exhibition runs: 27 February – 30 April, 2016, Fri-Sun 2-6PM and by appointment

Closed Easter weekend (25 – 27 March)

 

The exhibition, the first of our new exhibition series Nonhuman Subjectivities, presents various artistic reflections on the complex microbial environment found on and within the human body. Scientists say that bacterial cells are as numerous as human cells in our body. The phenomenon of the microbiome also brings forth many complex questions about human identity and our relation to our multiple selves.

 

François-Joseph Lapointe connects his biological research with performance art. His latest works of art deal with the microbiome in our daily lives and physical connections to others. Lapointe sequences his microbiome to produce metagenomic self-portraits, Microbiome Selfies, which illustrate the metamorphosis of his bacterial self. The show will present works from his performance 1000 Handshakes, performed at the opening night of the 2016 transmediale. The final images visualise the microbial change from interacting with someone else’s microbiome – by shaking hands, a basic and ancient act of networking.

 

Saša Spačal together with Mirjan Švagelj and Anil Podgornik are interested in the contrast between the oneness of the human body as biological entity and the multiplicity of the human microbiome. In their installation Mycophone_unison the artist-scientist-designer collective has developed a sound map of intra-action between their microbiomes and the recipient. By leaving a fingerprint the viewer sends a signal to the map that processes it through the central celestial plate to the microbiomes. The polymodal sonification stresses the multiplicities of the makers.

 

Tarsh Bates artistically explores what it means to be human when we recognise our bodies as composed of over one trillion cells, of which only around half are human. Her new work Surface dynamics of adhesion is a flocked wallpaper sampler. Encased in acrylic boxes, living Candida, with blood from Bates herself, form patterns from wallpaper popular in the parlours of Victorian Britain. The work offers aesthetic experiences from the contact zones between the two different organisms, and highlights the unconscious relation we have with Candida.

 

Joana Ricou’s works blur the fundamental boundary between organism and environment, taking the shape of photographs of microbial paintings or performance. Ricou collected samples of her own microbiome and that of her environment and cultured these in the lab to visualise them. Out of this two portraits emerged: Other-self Portrait, a composite of cultures derived from her body, and Non-self Portrait, a composite of environmental cultures.

 

Regine Rapp & Christian de Lutz (curators)

 

More information: http://artlaboratory-berlin.org/html/eng-exh-archive.htm

 

 

With the generous support of:

 

 

 

 

Cooperation partners:

 

 

 

 

Media partner:

 

 

Made possible in part by a generous gift from Michael Schröder

Vorspiel Programm der Transmediale - Sarah Hermanutz, Nenad Popov, Rüdiger Trojok, iGEM SciArt Cafe

 

 

Scroll down for English:

 

Vorprogramm: Als Einführung in unsere kommende Serie Nonhuman Subjectivities, die am 26. Februar 2016 mit der Ausstellung The Other Selves. On the Phenomenon of the Microbiome beginnt, wird im Rahmen des Vorspiel-Programms von Transmediale und CTM eine Reihe von Veranstaltungen stattfinden 

 

23. Januar 2016, 20 Uhr - Sarah Hermanutz: Mind Blind: Therapeutic Interventions for Human/Nonhuman Communications. | Eintritt: Spende

In ihrer Performance-Lesung wird Sarah Hermanutz den Begriff "Mind-Blindness" untersuchen. Die Performance stützt sich auf Methoden und Ästhetiken akademischer Vorträge und psychologischer Tests, um auf die Lücken und Schwierigkeiten des interdisziplinären Wissensaustauschs aufmerksam zu machen. Was bedeutet es, als Mensch "mind-blind" zu sein, und welche Auswirkungen hat dies für den Umgang in einem 'normalen' sozialen Umfeld? Können wir durch kreative Analogie dieses konzeptuelle Rahmenwerk nutzen, um die Probleme bei der Interaktion zwischen Mensch und nichtmenschlichen Akteuren besser zu verstehen? Welche neuen Einsichten kann eine künstlerische Forschung zu Autismus und "Mind-Blindness" für unser Verständnis von (Miss)Kommunikation zwischen uns und den anderen beitragen?

(Mehr Informationen)

 

24. Januar 2016 - Nenad Popov: Art Science Swap - Two Heads Are Better than One | Eintritt: Spende

 

…The states of mind involved in that sort of science and that sort of art are fundamentally the same. Both are seeking universal, objective truth. - David Deutsch

 

As a scientist you always think you know what you’re doing, so you tend to distrust the artist who says, “It’s great,” or “It’s no good,” and then is not able to explain to you why, as Jerry did with those drawings I took him. But here I was, sunk: I could do it too - Richard Feynman

 

Die Teilnehmer des Workshops werden in Zweiergruppen mit je einem/einer Künstler/in und einem/einer Wissenschaftler/in aufgeteilt. Jedes Paar bekommt eine Problemstellung, die es mit denn eigenen Methoden zu lösen gilt. Das ist der einfache Teil. Anschließend wechseln sie die Rollen - Wissenschaftler folgen einem künstlerischen Ansatz und Künstler einem rein wissenschaftlichen. Dabei beobachten sie ihre gegenseitigen Fortschritte ständig und helfen einander. Dies wird ein paar mal wiederholt. Durch die Wiederholungen bekommen beide Seiten Einblicke in die Methoden von Kunst und Naturwissenschaft.

 

Der Workshop beginnt um 14 Uhr, ab 17 Uhr folgt die öffentliche Präsentation der Ergebnissen.

(Mehr Informationen)

 

30. Januar 2016, 19 Uhr - Buchpräsentation und Lesung mit Rüdiger Trojok

Biohacking - Gentechnologie für alle, Franzis Verlag |Eintritt: Spende

http://www.amazon.de/Biohacking-Gentechnologie-Alle-R%C3%BCdiger-Trojok/dp/3645604200

 

Seit einigen Jahren entwickelt sich eine globale Szene aus Bürgerwissenschaftlern, die sich mit der modernen Biologie befassen. Deren Arbeit wurde allgemein als Biohacking bekannt. Für alle Interessierte und Neueinsteiger in das Thema soll dieses Buch als Leitfaden dienen. Es geht um das grundlegende Weltverständnis aus molekularbiologischer Perspektive. Angefangen mit dem Beginn des Lebens wird der Verlauf der Evolution in groben Zügen nach dem heutigen Wissensstand erklärt. Mit Praxisnahen Beispielen wird gezeigt, wie man das theoretische Wissen anwendet. Denn Leben kann man programmieren. Mithilfe moderner Software kann die Synthetische Biologie den digitalen Code des Lebens umschreiben. Anschließend wird eine gesellschaftliche Diskussion eröffnet, wie man mit diesem Wissen und den sich ergebenden technischen Möglichkeiten sinnvoll umgehen kann. Das moderne Verständnis des Lebens und die tiefergehenden Eingriffsmöglichkeiten werden das Verhältnis von Mensch und Natur grundsätzlich verändern. Labors werden bald miniaturisierte computergesteuerte Chips sein, die überall dezentral zum Einsatz kommen können. Gendatenbanken werden dann die wichtigste Ressource darstellen - doch wo liegen die Grenzen dieser globalen Synthetischen Biologie? Bürgerwissenschaftler werfen nun die Frage auf, wer das allgemein verfügbare Wissen über die modernen Biowissenschaften zu welchem Zweck einsetzen kann und wozu.

Lesung auf Deutsch

(Mehr Informationen)

 

31. Januar 2016, 15-18 Uhr - SciArt Café mit dem Berliner iGEM- Team |Eintritt: Spende

Das Berliner iGem-Team (http://igem.berlin/) präsentiert zum vierten Mal das SciArt Café. Unter dem Thema "Science Cafe: Programming Life - Good Code/ Bad Code?" kommen wieder Wissenschaftler und Künstler der Biowissenschaften am 31.01.2016 von 15.00 -18.00 Uhr im ArtLaboratory Berlin zusammen. Nach vier Anreiz gebenden Talks im ArtLaboratory, fokussieren wir uns auch dieses Jahr wieder auf die Diskussion bei einem gutem Mahl.

 

In diesem Science Café wollen wir über die Bilder und Techniken der Kunst und Wissenschaft sprechen, die sich um den lebendigen Organismus entwickeln: Der Organismus als Bakterium, als Gen, als Speicher, als Verbindungselement, als Imaginativ. Mit welchen Problemen, Herausforderungen und Fragestellungen widmen sich Künstler und Wissenschaftler dem Leben in seiner kleinsten, komplexen Form?

 

Antrieb der Biotechnologie ist immer auch, das Leben zu verlängern, Krankheiten zu mindern.

Zugleich müssen strenge Sicherheitsstandards in der Forschung und in der Produktion eingehalten

werden.

 

(Mehr Informationen)

 

In the run up to our next series Nonhuman Subjectivities, opening 26 February 2016 with the exhibition The Other Selves. On the Phenomenon of the Microbiome, we are glad to announce a series of events together with the Vorspiel programme of the transmediale and CTM.

 

23 January, 2016, 8PM - Sarah Hermanutz: Mind Blind: Therapeutic Interventions for Human/Nonhuman Communications | Entrance with donation

In her performance-lecture Sarah Hermanutz draws upon methods and aesthetics of academic lectures and psychological testing/treatment to engage with the gaps and pains of cross-disciplinary knowledge transfer. What does it mean to be a ‘mind-blind’ human, and how does this impact one's ability to function in a ‘normal’ social environment? Can we engage via creative analogy with this conceptual framework to better understand the difficulties faced by humans to interact with the non-human community? What new insights can an artistic exploration of autism research and ‘Mind Blindness’ provide for our understandings of (mis)communicate across difference?

(More information)

 

24 January, 2016 - Nenad Popov Art Science Swap - Two Heads Are Better than One | Entrance with donation

Workshop: starts at 2PM, followed by public presentation of results at 5PM.

 

…The states of mind involved in that sort of science and that sort of art are fundamentally the same. Both are seeking universal, objective truth. - David Deutsch

 

As a scientist you always think you know what you’re doing, so you tend to distrust the artist who says, “It’s great,” or “It’s no good,” and then is not able to explain to you why, as Jerry did with those drawings I took him. But here I was, sunk: I could do it too - Richard Feynman

 

Participants of the workshop are divided in the pairs of one artist and one scientist. Each pair will receive a problem to think about, each using their own method. That is the easy part. Then they are asked to switch roles - artists are supposed to think about the problem as scientists and scientists as artists. They monitor each others progress continuously and help each other. Then the process is repeated. Over a few iterations, both should have a glimpse into the methods of both art and science.

(More information)

 

30 January 2016, 7PM - Reading and presentation by Rüdiger Trojok from his forthcoming book

Biohacking - Gentechnologie für alle, Franzis Publishing House (in German) | Entrance with donation http://www.amazon.de/Biohacking-Gentechnologie-Alle-R%C3%BCdiger-Trojok/dp/3645604200

In the last several years a global movement of citizen scientists has developed with modern biology as a particular focus: their work has become known as biohacking. This book serves all those interested in this topic as well as beginners by offering a basic understanding of the world from a molecular biological perspective: Starting with the beginnings of life, the course of evolution is explained in broad terms, according to present knowledge. Theroretical knowledge is applied through practical examples: life can be programmed. Using advanced software, Synthetic Biology rewrites the digital code of life.

 

Subsequently a public debate has opened on how to deal meaningfully with this knowledge and the resulting technical possibilities. The modern understanding of life and deeper possibilities of intervention will, in principle, change the relationship between man and nature. Laboratories will soon be miniaturised computer chips, which can be used locally anywhere. Genetic databases will then represent the most important resource - but what are the limits of this global synthetic biology? Citizen scientists now pose the question of who can use the genarally available knowledge of modern biological sciences, and for what purposes.

Reading and presentation in German

(More information)

 

31 January, 2016, 3-6PM - SciArt Café with Berlin iGEM team | Entrance with donation

The iGEM Berlin team (http://igem.berlin/) presents their fourth SciArt Caf. Under the main theme of "Programming Life - Good Code/ Bad Code?" we will hear scientists and artists working with bioscience and afterwards discuss topics of synthetic biology. Join us on the 31th of January from 3.00 - 6.00 pm at Art Laboratory Berlin. After four warm up talks at ArtLaboratory Berlin, we will start the discussion over food and drinks.

 

In this science café we want to address the images and techniques in art and science that apply to the living organism at its source: the organism as bacteria, as gene, as a storage, as connecting element, as an imaginative. Which problems, challenges and questions drive the artists and scientists that are dealing with life in its smallest and most complex form?

 

Biotechnology aims at prolonging life and minimizing disease. At the same time they have to comply with strong security regulations. The assumption that biology equals technology, which in consequence leads to an engineer-like approach towards life, is opposed to living organisms being complex and contingent “systems”. Biotechnology not longer describes its objects. Under the lead of the industry it is more and more split into specialized fields such as microbiology, genetics and synthetic biology. This development is strongly connected with new hopes and imagination, figuring a new knowledge and science of life, that might lead to both a longer and healthier life and a new industrial revolution.

 

Four short presentations engage with different perspectives ranging from synthetic biology, speculative science and art.

(More information)

 

 

PROSTHESES. Transhuman Life Forms Susanna Hertrich

 

PROSTHESES. Transhuman Life Forms

Susanna Hertrich 

 

Vernissage: 25. September 2015, 20 Uhr

Kinderworkshop: Sonntag 4.10.2015 14-18 Uhr

Paneldiskussion mit Susanna Hertrich und Gästen: Freitag, 13. November 2015:

Laufzeit der Ausstellung: 26.9. – 29.11. 2015, Fr- So, 14-18 Uhr u.n.V.

 

 

 

 

 

Die Ausstellung stellt das Phänomen von Prothesen als menschliche Erweiterung im 21. Jahrhundert zur Diskussion. Im Kontext neuester Technologien sowie aktueller Entwicklungen im Bereich der Neurowissenschaften und Biologie stellt Susanna Hertrich neue transhumane sensorische Erweiterungen vor, die mit der Debatte um human 2.0 eng verbunden sind. Die ausgestellten Arbeiten sind Teil ihres lang angelegten Forschungsprojekts Bodies & Technology. In den Arbeiten von Susanna Hertrich wird der menschliche sensorische Apparat durch computergesteuerte Prothesen erweitert. Die Ergebnisse können als künstlerische Hypothese sowie technologisches Experiment verstanden werden. Die Werke reflektieren unsere gegenwärtigen Lebenswelten und befragen soziale, politische sowie physische Konsequenzen der neuesten Technologie auf kritische Weise.

 

 

 

Die Serie Prostheses for Instincts verfolgt die Idee, dass eine Erweiterung der natürlichen Sinnesorgane (des Menschen) unsere Wahrnehmung ausbauen kann. Dabei hat Susanna Hertrich neue Überlebensmechanismen für eine sich verändernde Welt geschaffen. Die Arbeit Jacobson's Fabulous Olfactometer (JFO) zum Beispiel versteht sich als sensorische Prothese, die auf Kopf und Gesicht getragen wird und das vielen Säugetieren eigene "Flehmen" (Wittern mit geöffnetem Maul) nachahmt, wenn die Luftverschmutzungswerte zu hoch sind. Wenn also das Gerät einen gefährlichen Wert der Luftverschmutzung aufnimmt, zieht die Prothese die Oberlippe des Nutzers nach oben und legt die Zähne bloß - damit wird ein Reflex imitiert, der sich häufig bei Pferden oder Katzen antreffen lässt. Der JFO verweist zugleich auf eine gängige, aber oftmals nicht mehr sichtbare Bedrohung des 21. Jahrhundert und eine biologisch programmierte Reaktion auf Gefahr in der Tierwelt.

 

 

 

Um den Diskurs auszuweiten, zeigen wir im hinteren Ausstellungsraum den Dokumentar-film von Rafel Duran Torrent über die Cyborg Foundation. Im Zentrum steht der Künstler Neil Harbisson, von Geburt an komplett farbenblind, der mithilfe des "Eyborg" Farben hören kann und als erster Cyborg von einem Staat offiziell anerkannt wurde.

 

Unser diesjähriges Programm wurde zu einem Großteil durch eine Spende von Michael Schröder möglich gemacht.

 

 

Medienpartner:

 

Besondere Dank an degewo für Ihre Unterstützung

 

 

 

PROSTHESES. Transhuman Life Forms Susanna Hertrich

 

PROSTHESES. Transhuman Life Forms

Susanna Hertrich

 

Opening: 25 September, 2015 8PM

Children's workshop: 4 October, 2015 2-4 pm (registration and details)

Panel discussion with Susanna Hertrich & guests: 13 November, 2015

Exhibition runs: 26 September – 29 November, 2015, Fri- Sun 2-6PM and by appointment

 

The exhibition explores the phenomenon of the prosthesis as bodily extension in the 21st century. Exploring new technologies and recent developments in neuroscience and biology, Susanna Hertrich proposes new transhuman sensory extensions of what may eventually become 'human 2.0'. The exhibited works are part of her long-term artistic research project Bodies & Technology. In Susanna Hertrich's work a narration is constructed in which the human sensory apparatus is extended through computer controlled prostheses. The results can be understood as crossing the boundaries between artistic hypothesis and technological experimentation. The artworks reflect our current living environments, as well as critically question the social, political and physical consequences of the new technologies utilised in their making.?

 

The series Prostheses for Instincts explores the idea that by augmenting our natural sensory experiences we can widen the range of our perceptions. In doing so, Hertrich has created new mechanisms for surviving in a changing world. For example, Jacobson's Fabulous Olfactometer (JFO), a device worn on the head and face, is a sensorial prosthesis that mimics mammalian "flehmen response" when air pollution levels become too high. In short, when the device detects a dangerous level of pollution the prosthesis curls back the wearer's top lip, exposing her teeth, mimicking a reflex common, for instance, in horses or cats. The JFO simultaneously refers to a common, but often invisible 21st century threat and a biologically programmed reaction to danger in the animal world.

 

In order to expand a greater discourse, we are showing in the back room a documentary by Rafel Duran Torrent about the Cyborg Foundation. The focus is on the artist Neil Harbisson, born completely colour blind, who can now hear colours using the "Eyeborg," and was the first cyborg officially recognized by a State

 

Our 2015 programme is made possible in part by a generous gift from Michael Schröder.

 

Medienpartner:

 

Special thanks to degewo for their support

 

'Growing Geometries. Evolving Forms' von Theresa Schubert 29.8.- 20.9.2015 (DE)

Somnipherous Observatory, Theresa Schubert (2012)

Growing Geometries
Evolving Forms

Theresa Schubert

Ausstellung: 29.8. - 20.9.2015,

Fr- So 14-18 Uhr

Vernissage: 28.8.2015, 20 Uhr

Künstleringespräch und Finissage:

20.9.2015, 15 Uhr

 

"In ihren Versuchsanordnungen verdichtet Theresa Schubert einfachste Organismen zu hochkomplexen philosophischen Fragen. Im künstlerischen Forschungsprojekt Growing 'Geometries I - tattooing mushrooms' erwachsen durch die Verarbeitung von organischem Material Pilze. Neben der Bearbeitung mit einer Tätowiernadel stellt ihr natürliches Wachstum daher bereits eher eine Nähe zum menschlichen als zum pflanzlichen Organismus her. Über einen geringfügigen künstlerischen Eingriff schafft Theresa Schubert es, die im Naturphänomen bereits angelegten kreativen Prozesse zu erwecken und sie in eine kritische Auseinandersetzung über die Wachstumsprozesse unserer Gesellschaft zu überführen. Theresa Schuberts tätowierte Pilze sind auch nur die Früchte eines tieferliegenden Geflechts, ihr Wachstum, das jegliche Ausformungen annehmen kann." (Kerstin Godschalk, Kuratorin HB55 Kunstfabrik Berlin)

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Die ausgestellten Arbeiten sind als Teil ihres PhD-Projekts an der Bauhaus-Universität Weimar entstanden. In den Worten von Theresa Schubert: "Die Arbeiten wollen das übliche Verständnis von Kreativität hinterfragen und eine posthumane Ansicht auf die Welt und ihre Lebewesen betonen. Eine Gemeinsamkeit zwischen den Werken ist das Thema der Membran. Eine Membran gibt es im Inneren und Äußeren von Lebewesen. Bei einer Zelle ist die Membran Teil des kleinsten Bausteins von Leben, aber es ist auch wie die Haut, die zwei unterschiedliche Zustände (Körper und Umwelt) teilt. Darüber hinaus geht es um eine Untersuchung der Ästhetik und Mechanismen von natürlichen Wachstumsprozessen."

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Die Künstlerin Theresa Schubert forscht an den Schnittstellen von Kunst, Biologie und Technologie. Sie studierte Medienkunst & Design an der Bauhaus-Universität Weimar. In ihrer künstlerischen Praxis verbindet sie variable Medien zu Werken, die sich in audiovisuellen Installationen, Fotografien oder Arbeiten auf Papier ästhetisch manifestieren. Sie behandelt Phänomene der Natur nicht nur als Inspiration, sondern als Material und kritischen Prozess. Dabei verwendet sie transdisziplinäre Methoden, wie das Reenactment von wissenschaftlichen Experimenten, Biohacking, theoretische Analysen und kollaborative Praktiken, und behandelt u.a. Themen der Selbstorganisation, algorithmischen Geometrie und Morphologie. Ausgangspunkt für ihre Experimente sind einfache Organismen, die in arrangierten Setups die Möglichkeit haben zu wachsen und sich zu entwickeln - stets unter den Vorgaben der Künstlerin - manchmal in Interaktion mit Menschen, bzw. den Besuchern.

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Theresa Schuberts Arbeiten wurden international ausgestellt, unter anderem bei der Ars Electronica Linz, ARGE Kultur Salzburg, Newcastle Region Art Gallery, Electrofringe Festival, Istanbul Biennale, European Media Art Festival, KIBLA Maribor oder KW Institute for Contemporary Art Berlin. Zuletzt haben die Zeitschriften Antennae, Wired und Art in Berlin über ihre Arbeiten berichtet.

 

Mit freundlicher Unterstützung von:

Bauhaus-Universität, Weimar

Hawlik Pilzbrut

Chido's Musrooms

 

Besondere Danke an: degewo

Growing Geometries. Evolving Forms' by Theresa Schubert' 29 Aug - 20 sep, 2015 (EN)

Somnipherous Observatory, Theresa Schubert (2012)

Growing Geometries
Evolving Forms

Theresa Schubert

 

29 Aug–20 Sep, 2015

Fri-Sun 2-6pm

Opening: 28 August, 8PM

Artist Talk and Finissage:

20 September, 3PM

 

"In her experimental setups, Theresa Schubert condenses the most simple organisms to highly complex philosophical questions. In the artistic research project' Growing Geometries I - tattooing mushrooms', fungi generate their growth by processing organic material. Together with the treatment of the mushroom with tattoo needles, their natural growth creates a closer proximity to that of mankind than to that of plants. A natural phenomenon is translated into a moment of critical analysis of processes of growth with the simplest of means. Theresa Schubert's tattooed mushroom are fruits of a deeper lying mesh whose growth can take any shape or form based on devitalized organic material causing revitalization." (Kerstin Godschalk, curator HB55 Kunstfabrik Berlin)

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The exhibited works have been developed as part of her PhD research at the Bauhaus University Weimar. In the words of Theresa Schubert: "The works want to challenge common understandings of creativity and emphasize a posthuman view on the world and its creatures. Common ground is the intervention on membranes. A membrane appears in both the exterior and interior of living beings; in the case of a cell membrane it is part of the smallest building block of life, but it also separates two different states. Further, it is an investigation into the aesthetics and mechanisms of natural growths processes."

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The artist Theresa Schubert conducts research at the intersection of art, biology, and technology. She has studied Media Arts & Design at the Bauhaus University Weimar. Her artistic practice combines various media such as audiovisual installations, photography or work on paper which deals with the phenomena of nature not only as a source of inspiration, but as a material and critical process. By means of transdisciplinary methods, such as the re-enactment of scientific experiments, biohacking, theoretical analysis and collaborative practices, her work deals with the themes of self-organization, computational geometry and morphology. The starting point for her experiments are simple organisms that arranged in setups have the opportunity to grow and develop - always under the control of the artist - sometimes in interaction with people and visitors.

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Theresa Schubert's work has been exhibited internationally. Venues include; Ars Electronica, Linz, KW Institute for Contemporary Art Berlin, ARGE Kultur Salzburg, Newcastle Region Art Gallery, Electro Fringe Festival Australia, Istanbul Biennial, European Media Art Festival and KIBLA Maribor. Recently, the journals Antennae, Wired and Art in Berlin have reported on her work.

 

 

. Supported by:

Bauhaus Univerity, Weimar

Kawlik Pilzbrut

Chido's Mushrooms

 

Special Thanks to degewo

 

bOdy pandemOnium. Immersion into Noise. - Joseph Nechvatal 25.4.-21.6.2015 (DE)

J. Nechvatal, frOnt windOw retinal autOmata, 2012, Computer-Roboter gesteuertes Gemälde, 2x2m

bOdy pandemOnium

Immersion into Noise

works by Joseph Nechvatal

 

Vernissage: 24.April 2015, 20 Uhr

Artist Talk & Concert: 25.April, 14 Uhr

Ausstellungs läuft 25.April - 21.Juni 2015

Öffnungszeiten: Fr-So, 14-18 Uhr

u. n. Vereinbarung

 

 

Joseph Nechvatal, geb. 1951 in Chicago, ist ein postkonzeptueller Künstler der digitalen Kunst – einer der wichtigsten Pioniere der sogenannten ‚Neuen Medien’-Kunst, der aber gleichzeitig auch auf die ‚alten Medien’ (Malerei, Zeichnung und Grafik) zurückgreift. Das phänomenale und unserer Meinung nach zeitgenössische ist, dass seine ‚Gemälde’ durch Computer-Robotik und Software Animation entstehen.

 

Die Ausstellung mit dem Untertitel Immersion into Noise ist Nechvatals erste Soloausstellung in Berlin und wird dem Publikum jüngere Arbeiten vorstellen, die mit seiner Publikation Immerison into Noise (2011) zusammenhängen. Darin stellt er eine visuelle Analogie zu ‚Noise’ her (im folgenden ‚Rauschen’) und betont die starke Wirkung durch den Akt der Immersion.

 

Im Ausstellungsprojekt, sowie generell in Nechvatals Arbeit, ist der Begriff Viractualism wesentlich, damit meint Nechvatal die Schnittstelle zwischen dem Biologischen und dem Technologischen: „The basis of the viractual conception is that virtual producing computer technology has become a noteworthy means for making and understanding contemporary art. This brings art to a place where one finds the emerging of the computed (the virtual) with the uncomputed corporeal (the actual).“

 

Neben seinen theoretischen Untersuchungen hat Nechvatal eine Serie von Gemälden und Projek-tionen entwickelt, bei denen seine Gemälde mit intimen Stellen des menschlichen Körpers durch ein a C++ Virusprogramm überfallen, zerstört und verändert werden (das Virusprogramm hat Nechvatal zusammen mit dem Programmierer Stephane Sikora entwickelt). In der Ausstellung bei Art Laboratory Berlin werden zwei Computer basierte Gemälde zu sehen sein: frOnt windOw retinal autOmata (2012) und rear windOw curiOsite´s (2012).

 

Darüber hinaus wird bei Art Laboratory Berlin eines seiner bekannten Arbeiten mit Computer-Virus-Software zu sehen sein: Viral Venture (2011). Die Projektion wird erweitert durch ein Stück für 200 E-Gitarren des Komponisten Rhys Chatham.

 

Das Künstlergespräch mit einem Noise-Concert seines Stücks 3 pOstmOrtems wird am Eröffnungswochenende stattfinden – am Samstag, den 25. April um 14 Uhr.

 

 

Kuratoren: Regine Rapp & Christian de Lutz

Presse: Olga Shmakova

 

Mit freundlicher Unterstützung von: degewo und fotoscout

Besonderer Dank an Michael Schröder für seine großzügige Unterstützung.

Medienpartner: art-in-berlin

 

bOdy pandemOnium. Immersion into Noise. - Joseph Nechvatal 25.4.-21.6.2015 (EN)

J. Nechvatal, frOnt windOw retinal autOmata, 2012,Computer/robot assisted painting, 2x2m

bOdy pandemOnium

Immersion into Noise

works by Joseph Nechvatal

 

Opening: 24 April 2015, 8PM

Artist Talk & Noise Concert: 25 April, 2PM

Exhibition runs: 25 April – 21 June, 2015

Opening hours: Fri-Sun, 2-6PM

and by appointment

 

Joseph Nechvatal (born in 1951 in Chicago) is a post-conceptual artist working in digital art. He is one of the most important pioneers of 'new media art,' but at the same time makes use of 'old media' (such as painting and drawing). What is phenomenal, and in our opinion relevant to the 21st century, is that his paintings are created through a use of custom artificial life software and computer robotics.

 

The exhibition, subtitled Immersion into Noise, is Nechvatal’s first solo show in Berlin and presents recent works to a Berlin audience alongside his eponymous book Immersion into Noise (2011). In that text, Nechvatal provides visual analogies to audio noise within the powerful effects of the act of immersion.

 

In the bOdy pandemOnium exhibition, and in Nechvatal's work in general, the term viractualism, meaning the interface between the biological and the technological, plays an essential role: "The basis of the viractual conception is that virtual producing computer technology has become a noteworthy means for making and understanding contemporary art. This brings art to a place where one finds the merging of the computed (the virtual) with the uncomputed corporeal (the actual)."

 

Parallel to his theoretical research, Nechvatal has created a series of paintings and projections that show a C++ custom virus program (created with the programmer Stephane Sikora) invading, destroying and transforming his painterly art images based on intimate parts of the human body. In the exhibition at Art Laboratory Berlin, two large computer-robotic assisted paintings will be on display: frOnt windOw retinal autOmata (2012) and rear windOw curiOsites (2012).

 

Also on view will be one of his famous viral computer software de-generative works: Viral Venture (2011). It is accompanied by a musical score for two hundred electric guitars by the composer Rhys Chatham.

 

An artist talk with noise music concert of his piece 3 pOstmOrtems will take place on the opening weekend, on Saturday, 25 April, 2pm.

 

 

Curators: Regine Rapp & Christian de Lutz

Press: Olga Shmakova

 

 

Supported by degewo and fotoscout

This exhibition is made possible in part by a generous gift from Michael Schröder.

Media partner: art-in-berlin

 

[micro]biologies II: πρωτεο / proteo Joanna Hoffmann - 24.01-29.03.2015 (DE)

[micro]biologies II: πρωτεο / proteo

Joanna Hoffmann

 

Vernissage: 23. Januar 2015, 19 Uhr

Laufzeit: 24. Januar - 29. März 2015

Öffnungszeiten: Fr-So, 14-18 Uhr (und nach Vereinbarung)

Kuratorengespräch: 1. März 2015, 15Uhr

Künstleringespräch: 29. März 2015, 15Uhr

 

[micro]biologies II: πρωτεο / proteo mit Arbeiten von Joanna Hoffmann ist die vierte und letzte Ausstellung der Reihe [macro]biologies & [micro]biologies bei Art Laboratory Berlin. Das Ausstellungsprojekt untersucht kleinste Biomoleküle, welche die Grundlage für Leben darstellen.

 

Joanna Hoffmanns interdisziplinäre Arbeiten verbinden Kunst, Mikrobiologie, Physik und Technologie. Durch die Verwendung von Multimedia-Installationen, 3D-Stereoskopien, experimentelle Videoanimation und andere Medien untersucht sie die Visualisierung subatomarer, molekularer sowie kosmischer Räume. Ihre Arbeiten beziehen sich auf aktuelle Forschungsergebnisse über das Phänomen Leben und die Wechselbeziehung zwischen dem Naturwissenschaftlichen und dem Kulturellen, dem Sinnlichen und dem Trügerischen, dem Digitalen und dem Biologischen, dem Natürlichen und dem Synthetischen.

 

Die Ausstellung versteht sich als Labor der Imagination und verbindet einige Stränge der künstlerischen Forschung von Hoffmanns Langzeitprojekt "Hidden Topologies of Being", inspiriert durch die atomischen Strukturen von Proteinmolekülen (bekannt unter dem Begriff "basic bricks of life"). Ihre komplexen geometrischen Strukturen wiederum vergleicht man mit Calabi-Yau Räumen, in denen sich entsprechend der Superstringtheorie aufeinander folgende Dimensionen unserer Welt auf subatomarer Stufe winden (kräuseln). "Wenn die naturwissenschaftliche Hypothese über die multidimensionale Natur der Welt stimmt" so Joanna Hoffmann, "dann befinden sich diese verborgenen Räume überall, an jedem Punkt des Räumlichen - außerhalb sowie innerhalb von uns selbst. Was bedeutet es für uns, in einem multidimensionalen Universum, oder gar Multiversum zu leben? Was für Mittel haben wir, um das Unsichtbare zu verstehen?"

 

Der Ausstellungsraum bei Art Laboratory Berlin wird in eine Multimedia-Installation verwandelt. Im Zentrum steht die Arbeit πρωτεο / Proteo, deren Titel sich auf die griechische Wurzel des Wortes "Protein" bezieht (griech. πρωτεῖος grundlegend, vorrangig). πρωτεο / Proteo ist eine Animation, in der Partikel ein Mini-Universum in der Form der Calabi-Yau-Räume bilden. Man kann die Entstehung gewundener Proteinmoleküle und ihren dynamischen molekularen "Lebenstanz" beobachten. Gleich einer poetischen Antwort visualisiert sich hier die Frage über die Beziehungen zwischen Energie, Materie und Form. Die Animation wirkt wie ein Hologramm innerhalb einer transparenten Pyramide, wie eine Art virtueller Inkubator, in welchem sich der Prozess weiterentwickelt und wiederholt.

 

Durch die Verwendung unterschiedlichster Technologien wie beispielsweise "Pepper's ghost" (ein Vorläufer der Holografie) stellt Joanna Hoffmann den Rezipienten vielfältige Strukturen naturwissenschaftlicher, philosophischer und ästhetischer Analysen vor. Durch die Verbindung naturwissenschaftlicher Daten, Bild, Ton und Poesie thematisiert sie in ihrer Arbeit πρωτεο / Proteo mögliche Herausforderungen und Grenzen der menschlichen Kognition und schafft eine emotionale Brücke zwischen unserer alltäglichen Erfahrung und der Abstraktheit der gegenwärtigen Naturwissenschaft.

 

Für diese Ausstellung arbeitet Joanna Hoffmann mit dem Soundkünstler und Komponisten Andre Bartetzky zusammen.

 

Teil des Vorspiel-Programms 2015 der transmediale und CTM

[micro]biologies II: πρωτεο / proteo Joanna Hoffmann - 24.01-29.03.2015 (EN)

[micro]biologies II: πρωτεο / proteo

Joanna Hoffmann

 

Opening: 23 January, 2015, 7PM

Exhibition runs: 24 January - 29 March, 2015

Opening hours: Fri-Sun, 2-6PM and by appointment.

Curators Talk: 1 March, 2015, 3PM

Artist Talk: 29 March, 2015, 3PM

 

[micro]biologies II: πρωτεο / proteo featuring artworks by Joanna Hoffmann is the fourth and final exhibition of the [macro]biologies & [micro]biologies series at Art Laboratory Berlin. The exhibition explores the minute biomolecules that form a basis for the phenomena of life.

 

Joanna Hoffmann's transdisciplinary works combine art, microbiology, physics and technology. Her use of multimedia installations, 3d stereoscopy, experimental video animation and other media explore the visualization of sub-atomic and molecular as well as cosmic space. Her work relates to advanced scientific research on the phenomenon of life and to the interplay between scientific and cultural, sensual and illusive, digital and biological, natural and synthetic.

 

[micro]biologies II: πρωτεο / proteo is intended as a laboratory of imagination. It brings together a few threads of artistic research being developed within the frame of the long-term project "Hidden Topologies of Being" inspired by the atomic structure of protein molecules, named "basic bricks of life". Their complex geometries are in turn compared to Calabi-Yau spaces, in which, according to superstring theory, successive dimensions of our world are "curled up" at the subatomic level. If the scientific hypothesis about multi-dimensional nature of the world is true, then these hidden spaces are everywhere, in each "point" of the space outside as well as inside us.

 

What does it mean for us to live in a multi-dimensional universe, or even multiverse? What kind of tools do we have to apprehend the invisible?

 

The exhibition space at Art Laboratory Berlin will be transformed into a multimedia installation. The core of the exhibition will be the work πρωτεο / proteo, whose title refers to Greek root of the name protein (Gr. πρωτεῖος the first, in the lead). πρωτεο / proteo is an animation in which a cloud of particles creates a mini-universe folded in the form of Calabi-Yau space. It gives birth to a convoluted protein molecule and its dynamic molecular 'dance of life', in a poetic way brings to mind a question about the relations between the energy, matter and form. The animation creates an effect of a hologram inside a transparent pyramid. It is a kind of virtual incubator, in which the process continues to develop and repeat itself.

 

By using technologies as diverse as Pepper's ghost (a forerunner of holography) and 3D video, Hoffmann's work presents the viewer with a set of structures for scientific, philosophical, and aesthetic wonder and analysis. Merging interpretations of scientific data, image, sound and poetry, πρωτεο / proteo poses questions about the challenges and boundaries of our cognition creating an emotional bridge between our daily experiences and the abstractness of contemporary science.

 

For this exhibition Joanna Hoffmann will be working in collaboration with sound artist and composer Andre Bartetzki.

 

Part of the 2015 Vorspiel programme of the transmediale and CTM

Science-Café mit dem Berliner iGEM-Team - 11.1.2015

Science-Café mit dem Berliner iGEM-Team

Sonntag, 11. Januar 2015, 15-18 Uhr

 

Das Berliner iGEM-Team (http://igem.berlin/) wird sein Projekt "Remote-controlled E. coli bacteria/ Magnetic Bacteria" vorstellen, das sie 2014 während des Finales des international genetically engineered machines competition in Boston präsentiert hatten. Art Laboratory Berlin und iGem Berlin möchten Sie einladen, Ideen, Projekte und Auswirkungen aktueller Tendenzen im Feld der Lebenswissenschaften in einer offenen Runde zu diskutieren.

 

Teil des Vorspiel-Programms 2015 der transmediale und CTM

 

Science Café with the Berlin iGEM team

 

Sunday 11 January, 2015 3-6PM

 

The iGEM Berlin team (http://igem.berlin/) will recap their project "Remote-controlled E. coli bacteria/ Magnetic Bacteria", which they presented during the finals of the 2014 international genetically engineered machines competition (iGEM) in Boston. Art Laboratory Berlin and iGem Berlin invite you to discuss ideas, projects and implications of current trends in the life sciences in an open cafe environment.

 

Part of the 2015 Vorspiel programme of the transmediale and CTM

[micro]biologies I: the bacterial sublime Anna Dumitriu - 27.09-30.11.2014 (DE)

[micro]biologies I: the bacterial sublime 

 

Anna Dumitriu

 

Vernissage: 26. September 2014, 20 Uhr

Laufzeit: 27. September– 30. November 2014

Öffnungszeiten: Fr-So, 14-18 Uhr (und nach Vereinbarung)

 

Künstleringespräch 28. September 2014, 15 Uhr

Workshop mit Anna Dumitriu: 30. November

 

Die dritte Ausstellung wird in Form einer Soloausstellung die britische Künstlerin Anna Dumitriu vorstellen, die sich in ihren Arbeiten im Bereich Kunst und Naturwissenschaft sowohl historischen Narrativen und avantgardistischen biomedizinischen Forschungsfragen widmet als auch mit großem Interesse ethischen Aspekte thematisiert.

 

Dumitriu ist sehr bekannt geworden durch ihre Arbeiten "The VRSA Dress" und "The MRSA Quilt", die beide aus dem sogenannten 'Superbazillus' gemacht wurden. Für diese Arbeiten hat Dumitriu Bakterien auf Textilien wachsen lassen und benutzte dann natürliche und klinische Antibiotika, um mit diesen Muster entstehen zu lassen (vor der Ausstellung selbstverständlich sterilisiert).

 

Die Ausstellung wird auch Arbeiten ihrer Serie "Romantic Disease" zeigen, welche die Geschichte der Krankheit Tuberkulose (TB) aus künstlerischer, sozialer sowie wissenschaftlicher Perspektive untersucht. Dabei werden literarische Bezüge zu TB und Aspekte des Aberglaubens hinsichtlich der Krankheit beleuchtet, aber auch die Entwicklung der Antibiotika und jüngste Forschungsergebnisse über die Erbgut-Entschlüsselung von Mykobakterien zur Debatte gestellt.

Mehr Informationen

[micro]biologies I: the bacterial sublime Anna Dumitriu - 27.09-20.11.2014 (EN)

[micro]biologies I: the bacterial sublime

Anna Dumitriu

 

Opening: 26 September, 2014, 8PM

Exhibition runs: 27 September– 30 November, 2014

 

Artist talk: 28 September 2014, 3PM

Workshop with Anna Dumitriu: 30 November, 2014

 

The third exhibition will be a solo retrospective of British artist Anna Dumitriu, whose work in the field of art and science brings together historical narratives, cutting edge biomedical research and an interest in ethical concerns.

Dumitriu is well known for creating "The VRSA Dress" & and "The MRSA Quilt" which were made from so-called 'superbugs'. To create those works she grew bacteria onto textiles and used natural and clinical antibiotics to create patterns (sterilised prior to exhibition).

The exhibition will also include works from her "Romantic Disease" series which explores the history of tuberculosis (TB) from artistic, social and scientific perspectives and covers subjects such as superstitions about the disease, TB's literary and romantic associations, the development of antibiotics and the latest research into whole-genome sequencing of mycobacteria.

More information

[macro]biologies II: organisms - 31.05-20.7.2014 (DE)

Von links nach rechts: Suzanne Anker, Maja Smrekar, Brandon Ballengée

[macro]biologies II: organisms

 

Suzanne Anker

Brandon Ballengée

Maja Smrekar

 

Vernissage: 30 Mai 2014, 20 Uhr

Laufzeit: 31. Mai – 20. Juli 2014

Öffnungszeiten: Fr-So, 14-18 Uhr (und nach Vereinbarung)

Künstler- und Kuratorengespräch (alle Künstler sind anwesend): 1. Juni, 15 Uhr

 

In der zweiten Ausstellung [macro]biologies II: organisms der Reihe [macro]biologies & [micro]biologies richtet sich unser Blick auf künstlerische Projekte, die sich mit konkreten Organismen auseinander setzen. Dabei geht es um die Beziehungen dieser Organismen zu uns, sowie ihre Rolle als Akteure in einem übergeordneten Sinne. Die Ausstellung legt den Schwerpunkt auf Arbeiten von drei bemerkenswerten KünstlerInnen, die sich mit mehrzelligen Organismen beschäftigen: Suzanne Anker (US), Brandon Ballengée (US) und Maja Smrekar (SI).

 

Suzanne Anker

Die amerikanische Künstlerin und Theoretikerin Suzanne Anker ist seit mehreren Jahrzehnten eine der Schlüsselfiguren für die produktive ästhetische Grenze von Kunst und Biologie. Ihre Arbeiten verbinden wissenschaftliche Untersuchungen und neueste Technologien mit einer bemerkenswerten Ästhetik.

 

Bei Art Laboratory Berlin zeigt Anker verschiedene Werkgruppen:

Die zum ersten Mal 2009 realisierte Installation Astroculture (Shelf Life) besteht aus drei Pflanzen-Kammern, in die LED-Panele eingebaut wurden. Obwohl die dort gewachsenen Pflanzen Fucsia gefärbt zu sein schienen, waren sie überraschenderweise tatsächlich gru¨n. Diese Arbeit manifestiert die Möglichkeit des Anbaus von Kräutern in jedem vom Licht beraubten Umraum.

 

Remote Sensing ist eine Serie von Arbeiten, die durch Rapid-Prototyping-Technologie hergestellt wurde. Ein dreidimensional arbeitendes Software-Programm übersetzt dabei das Bild in ein Objekt. Die erzeugte Skulptur erinnert an Landschaften, die mittels einer Fernerkundung aufgezeichnet wurden.

 

In Vanitas (in a Petri dish) reflektiert Anker das Konzept von Vanitas durch den Einsatz einer Petrischale, die dem Laboralltag entnommen ist, und die hier vom Objekt der Wissenschaft zu einem Objekt der Kunst wird.

 

Mehr Information: http://www.suzanneanker.com/

 

Brandon Ballengée

Der amerikanische Künstler Brandon Ballengée verfolgt im Sinne einer nachhaltigen Form des Artistic Research sein Metier als Bildender Künstler im Bereich Bioart und als Biologe im Bereich Herpetologie.

 

Bei Art Laboratory Berlin zeigt er eine Videodokumentation seines Projektes Malamp Reliquaries, an dem Ballengée in verschiedenen Formaten seit 2001 bis heute arbeitet. Dabei geht es um Untersuchungen des potenziell unnatürlich hohen Auftretens morphologischer Deformitäten unter wild lebenden Amphibien-Populationen.

 

Die Ausstellung präsentiert auch zwei weitere Arbeiten von Ballengée, die im Laufe seiner künstlerischen sowie wissenschaftlichen Recherche der letzten Jahre entstanden sind: die Videoprojektion Requiem pour Flocons de Neige Bléssés (A Requiem for Injured Snowflakes) und die Videoinstallation The Cry of Silent Forms mit acht horizontal auf dem Boden arrangierten Monitoren in unterschiedlicher Größe.

Mehr Information: http://brandonballengee.com

 

Maja Smrekar

Die junge Künstlerin Maja Smrekar aus Ljubljana, Slowenien, arbeitet an der Schnittstelle von Geistes- und Naturwissenschaften mit dem Schwerpunkt Lebenskonzepte.

 

2012 schuf Smrekar zusammen mit Wissenschaftlern von der Abteilung für Frischwasser und Ökosysteme des Biogischen Instituts in Ljubljana, Slowenien, die komplexe Installation Crustacea deleatur (eine Aksioma-Produktion). Sie basiert auf einer interdisziplinären Studie der Künstlerin und untersucht das Problem invasiver Spezies am Beispiel europäischer (einheimischer) und außereuropäischer (tropischer und invasiver) Krebsarten. Die Installation zeigt einen raumgroßen Behälter, der ein zweiteiliges Aquarium umfasst. In einem Teil werden die lokalen slowenischen Krebsen und im anderen die australischen Rote-Klauen-Krebse (Cherax quadricarinatus), die sich im Laufe der letzten Jahre im südslowenischen Topla-See ausgebreitet haben, platziert. Beide Teile waren durch eine Leiter miteinander verbunden und ermöglichten Austausch und Konfrontation.

 

Für die Ausstellung bei Art Laboratory Berlin hat Smrekar ihr Projekt weiterentwickelt und präsentiert die Installation Crustacea deleatur in veränderter Form als BioBASE: risky ZOOgraphies mit dem Schwerpunkt auf Marmorkrebse (Procambarus fallax forma virginalis). Diese sind asexuell ausgeprägt – ein Phänomen, das man Parthenogenesis nennt, dabei erfolgt Wachstum und Entwicklung des Embryos ohne Befruchtung. Seit Frühling 2013 besteht ein intensiver Austausch zwischen Smrekar und Prof. Dr. Scholtz vom Institut für Biologie (Humboldt-Universität zu Berlin), einem der führenden Spezialisten für Marmorkrebse weltweit.

 

Mehr Informationen: http://www.biobase.si/

http://majasmrekar.org/crustacea-deleatur 

https://crustaceadeleatur.wordpress.com

 

Kuratoren: Regine Rapp & Christian de Lutz

 

Kooperationspartner: degewo, fotoscout, Genossenschaft PA58, Aksioma - Institute for Contemporary Art, Ljubljana

Mit freundlicher Unterstützung von: Republic of Slovenia Ministry of Culture, the City of Ljubljana, SVA - NYC, Aksioma, Deborah Colton Gallery

[macro]biologies II: organisms - 31.05.-20.7.2014 (EN)

from left to right: Suzanne Anker, Maja Smrekar, Brandon Ballengée

[macro]biologies II: organisms

 

Suzanne Anker

Brandon Ballengée

Maja Smrekar

 

Vernissage/ Opening: 30 May, 2014, 8PM

Exhibition runs : 31 May– 20 July, 2014

Opening hours: Fr-Sun, 14-18h (and by appointment)

Artists and curators Talk (all artists are present): 1 June, 3 PM

 

 

The second exhibition of the series [macro]biologies & [micro]biologies, [macro]biologies II: organisms will highlight the works of artists dealing with multi-celled organisms. Noteworthy is both the relationship of these organisms to us, as well as their roles as independent actors. The exhibition focuses on the works of three remarkable, internationally recognized artists whose work deals with multicellular organisms: Suzanne Anker (US), Brandon Ballengée (US) and Maja Smrekar (SI).

Suzanne Anker

 

 

The American artist and theoretician Suzanne Anker has been one of the key figures working at the border between art and biology for several decades. Her work combines inquiry into science and the newest technologies with a keen aesthetic sense.

 

At Art Laboratory Berlin Anker will show several series of works: The installation Astroculture (Shelf Life) was first shown in 2009. It consists of three plant chambers with installed LED panels. Surprisingly, although the grown plants appeared to be fuschia-colored, they in fact were green. The work manifests the possibility of growing herbs in any light deprived apartment.

 

Remote Sensing is a series of work produced through rapid prototyping technology. The three dimensional working software program converts the image into an object. The resultant sculpture shares resonance with pictorial maps and landscapes employed by remote sensing.

 

In the series Vanitas (in a Petri dish) Suzanne Anker reflects the concept of Vanitas by employing a Petri dish as the site of laboratory life in which the Petri dish changes from an object of science to an object saturated as art.

More information: http://www.suzanneanker.com/

 

 

Brandon Ballengée

The American artist Brandon Ballengée pursues a sustainable form of artistic research in his metier as a visual artist in the field of bioart and as a biologist in the field of herpetology.

 

Art Laboratory Berlin will show video documentation of his ongoing project Malamp Reliquaries, on which Ballengée has worked in various forms since 2001. The project's aim is to investigate the potentially unnaturally high occurrence of morphological deformities among wild amphibian populations.

The exhibition also presents two other works of Ballengée developed in the course of his artistic and scientific research: the video projection Requiem pour Flocon de Neige Blesses (A Requiem for Injured Snowflakes) and the video installation The Cry of Silent Forms made up of eight monitors of different sizes arranged horizontally on the floor.

More information: http://brandonballengee.com

 

Maja Smrekar

Maja Smrekar is an emerging young artist from Ljubljana, Slovenia, connecting the intersections of humanities and natural sciences with her main interest in the concept of life.

 

In 2012, working together with researchers from the Department for Freshwater and Land Ecosystems at the National Institute of Biology in Ljubljana/Slovenia, Smrekar built the installation Crustacea deleatur (an Aksioma Production). This project explores the problem of invasive species, for instance the interaction of European (indigenous) and non-European (tropical, invasive) crayfish. An architectural housing contained a two part aquarium, one part containing the local Slovene crayfish, the other - the Australian red claw crayfish (Cherax quadricarinatus) which recently has settled in the thermal Lake Topla in Slovenia and multiplied in great numbers. The two parts were connected by a ladder allowing the crustaceans the possibility of crossing over and confronting each other.

 

For the exhibition at Art Laboratory Berlin Smrekar has continued to develop this project and will present the installation Crustacea deleatur in a different form as BioBase: risky ZOOgraphies focussing on the marble crayfish (Procambarus fallax forma virginalis), and its form of asexual reproduction in which growth and development of embryos occur without fertilization, called parthenogenesis. Since the spring of 2013, in this context, there has been an intensive exchange between Smrekar and Prof. Dr. Scholtz from the Institute of Biology (Humboldt-Universität zu Berlin), one of the leading specialists in the marble crayfish worldwide.

 

More information:

http://www.biobase.si/ http://majasmrekar.org/crustacea-deleatur https://crustaceadeleatur.wordpress.com

 

Curated by Regine Rapp Christian de Lutz

 

Cooperation partners: degewo, fotoscout, Genossenschaft PA58, Aksioma - Institute for Contemporary Art, Ljubljana

 

Supported by: Republic of Slovenia Ministry of Culture, the City of Ljubljana, SVA - NYC, Aksioma, Deborah Colton Gallery

[macro]biologies I: the biosphere - 8.04.-4.05.2014 (DE)

[macro]biologies I: the biosphere

Katya Gardea Browne

The Center for PostNatural History

Mathias Kessler

Alexandra Regan Toland

 

Vernissage: Freitag, 7. März 2014, 20 Uhr

Laufzeit: 8. März – 4. Mai 2014 (geschl. 18. – 20. April)

Öffnungszeiten: Fr-So, 14-18h (und nach Vereinbarung)

Künstleringespräch mit Katya Gardea Browne: 30. März 2014, 15 Uhr

 

(l) Katya Gardea Browne, Torre, Panoramico Solotepec/ Paisaje, Maiz y Periferia, Mexico, 2014, photograph (r) Alexandra Regan Toland, Wishgarden Series, Flooded Harvest, Watershed map made with floodwater mud on Cobblers' Bridge, Ljubljana, public performance for MOTA Museum of Transitory Art, 2010

 

Anstatt eines einheitlichen Konzepts der Existenz von “Welt” oder “Natur” sehen wir uns heutzutage im postanthropozentrischen Zeitalter vielmehr von einer Vielzahl von Strukturen und einer Verwischung von Grenzen konfrontiert. Diese Ausstellung ist der Auftakt unserer diesjährigen Ausstellungsreihe [macro]biologies und [micro]biologies, die aktuelle internationale künstlerische Positionen in diesem Bereich vorstellt.

 

Die Ausstellung [macro]biologies I: the biosphere präsentiert vier wichtige internationale Positionen, die sich auf bemerkenswerte Weise mit den Strukturen und Systemen unserer Welt auseinander setzen. Dabei stehen Ökosysteme und die Biosphäre mit Milliarden von Wesen im Zentrum, die mit anderen Systemen ko-agieren (z.B. mit Geologie oder Klima).

 

Ausstellungsstandort (1): Ausstellungsräume ALB, Prinzenallee 34:

 

Die in Mexiko-Stadt arbeitende Künstlerin Katya Gardea Browne hat sich auf die Bereiche Fotografie, Film, Video und Objektkunst spezialisiert. Ihre Arbeiten beruhen meist auf langen, prozessartigen Beobachtungen von Natur und Zivilisation an soziopolitischen Grenzgebieten, zum Beispiel zur Megacity Mexiko D.F.

 

Für die Ausstellung hat die Künstlerin drei neue Videoarbeiten produziert und thematisiert verschiedene bedrohte Ökosysteme: Xochimilco (2014, 7:45 min., Großprojektion, hinterer Raum) zeigt eine meditative Fahrt über die Wasserstraßen im gleichnamigen Stadtteil der mexikanischen Hauptstadt. Die ruhige Fahrt ermöglicht eine Reflexion über die drastische Veränderung der MegaCity, die einstmals mithilfe dieses Bewässerungssystems florierte. Nur wenige, über den Sound transportierte Momente zeugen von menschlicher Präsenz. Die Biosphäre jedoch dominiert, besonders die sogenannten „Chinampas“ („flottierende Inseln“), was Gardea Browne mit Farbfiltern, schnellen Wechseln zwischen Farbe und Schwarz-Weiß spielerisch überhöht. Der stete Blick auf das Wasser und die Spiegelungen sowie das Ufer und die Grenze zwischen Wasser und Land verweisen auf das Periphere – ein Moment, der sich sowohl in ästhetischer als auch politischer Hinsicht immer wieder in den Arbeiten von Gardea Bwone finden lässt.

 

Das Video Panoramas (2014, 8:03 min., kleiner Monitor, hinterer Raum) kann als Hommage an die mexikanische Landschaft verstanden werden, sowohl an die rurale als auch die urbane. Die Fahrt raus aus Mexiko-Stadt durch Ebenen und über Berge hat Gardea Berowne verdichtet durch den Stopp-Motion Effekt, dessen Aneinanderreihung unzähliger Fotografien ein interessantes Staccato ergibt

 

Das Video Maís (2014, 16:14 min., vorderer Ausstellungsraum) thematisiert den Maisanbau und -verwendung in Mexiko. Gardea Browne war für die Videoaufnahmen an verschiedenen Orten Mexikos. Es sind Aufnahmen in Quetzalan (Puebla), Solotepec (Estado de Mexico) und Huamantla (Tlaxcala) entstanden. Die Videoarbeit vermittelt Einblicke in den indivdiuellen Maisanbau der sogenannten „milpas“ (Maisfelder mit gemischten Anbau, vgl. Source Book) und verweist auf die fundamentale Bedeutung des Mais für Mexiko.

 

In der Vitrine (im vorderen Raum) hat die Künstlerin verschiedene Objekte arrangiert, welche die Themen der Videoarbeiten aufgreifen, darunter Bücher und Postkarten von Xochimilco; auch Artefakte, die mit der Fruchtbarkeit des Bodens in Verbindung stehen.

Mehr zu Künstlerinsgespräch mit Katya Gardea Browne (30. März, 2014)

 

(l) Center for PostNatural History, Postnatural Organisms of the European Union, Waag Society, Amsterdam 2012 (r) Mathias Kessler, Jarrells Cemetary, N37° 53.96' W81° 34.71'. Eunice Mountain, West Virginia, Austrian Culture Insitute, NYC, 2013

 

Das Center for PostNatural History (CPNH), mit Hauptsitz in Pittsburgh, USA, versteht sich als Kunst- und Wissenschaftsprojekt und bezieht sich auf Lebensformen, die durch den Menschen bewusst manipuliert worden sind, wie z.B. Zähmung, Züchtung oder Genmanipulation (Direktor: Richard Pell, Learning Science Advisor: Lauren Allen, Designer: Mason Juday). Der Begriff „postnatural“ bezieht sich auf Lebensformen, die durch den Menschen bewusst verändert wurden – sei es durch Domestizierung, selektives Züchten oder Genmanipulation.

 

Art Laboratory Berlin zeigt in dieser Ausstellung die Arbeit PostNatural Organisms of the European Union, die speziell Europa gewidmet ist: Bewusst im Modus des Zeigens und Vermittelns eines Museums gehalten, spielt die Installation mit den Ausstellungsfenstern auf das Phänomen des Repräsentierens ausgewählter Biofakte an. Zu sehen sind u.a. ein roter Kanarienvogel (als erstes genmanipuliertes Wesen), transgene Moskitofliegen zur Bekämpfung von Malaria oder auch Dokumente zur Svalbarder Pflanzensamenbank Nowergens. Nicht zuletzt zeigt die Arbeit, in welch rasanter Geschwindigkeit die Menschen heutzutage Organismen verändern.

 

Ausstellungsstandort (2): Theatersaal, Prinzenallee 58:

 

Der in New York arbeitende Künstler Mathias Kessler beschäftigt sich unter anderem mit dem Phänomen landschaftlicher Veränderungen durch den menschlichen Eingriff. Für die Berliner Ausstellung stellt er im Außen- und Innenraum gegensätzliche Phänomene und Bildprogramme vor: Im Außenraum (angefangen auf der Prinzenallee, über die Hofeinfahrt bis zum 2. Hinterhof der Prinzenallee 58) hat er Naturaufnahmen aus den Everglades (Florida) angebracht; die computer-bearbeiteten Aufnahmen zeigen romantisch verklärte Sonnenuntergänge und verweisen dabei auf das idealisierte Bild von Natur, das vom Menschen konstruiert wurde. Mathias Kessler spielt bei diesen Motiven – die gleichsam wie Plakate in den öffentlichen Raum geklebt wurden – bewusst mit dem Ephemeren und dem schnellen wortwörtlichen Verbleichen solch künstlicher Bildkonstruktionen.

 

Im Innenraum (Theatersaal, PA 58) geht es dagegen um radikale Formen der Natur, um die Landabtragung durch Energiegewinnung. Mithilfe von Luftaufnah-men hat Mathias Kessler ein Kohlebergwerks in den Appalachian Mountains (US) dokumentiert. Die Monumentalität der fotografischen Präsentation auf der langen Ausstellungswand ist intendiert, so auch der Kontrast zwischen dem inszenierten Raum einer Ausstellung und dem zerstörten Naturraum. Dabei lenkt er den Blick auf die menschliche Fähigkeit, die Erde nach Belieben zu formen, und damit auf die katastrophalen Auswirkungen der modernen Hybris.

 

Die in Berlin arbeitende Künstlerin und Ökologin Alexandra Regan Toland arbeitet auf vielfältige Weise für die Schaffung eines sozialen Bewusstseins über urbane ökologische Systeme. Als Wissenschaftlerin der Bodenkunde untersucht sie die Belastbarkeit der urbanen Flora; in ihren künstlerischen Arbeiten verbindet sie das soziale Bewusstsein urbaner Natur mit Aktionen in einzelnen Stadtteilbereichen. Für die Ausstellung wird sie kartographische Dokumente und den Staub der Stadt verwenden, sowie Schuhprofile auf die Abdrücke der Bodenversiegelung als auch die weiten Gehwege auf poröse Oberflächen untersuchen.

 

Neben einer Berliner Landkarte aus Erde und Staub wird Toland das Publikum mit ihrer Forschung vertraut machen. Besucherinnen und Besucher sind eingeladen, an Tolands Projekt teilzunehmen in Form von Interviews und Spenden von Schuhsolen alter Schuhe.

 

Regine Rapp & Christian de Lutz (Kuratoren)

 

Kooperationspartner: degewo, fotoscout, Genossenschaft PA58

 

 

Mit freundlicher Unterstützung von:

 

 

Besonderer Dank an Michael Schröder für seine großzügige Unterstützung.

 

 

Medienpartner:

[macro]biologies I: the biosphere - 8.04.-4.05.2014 (EN)

[macro]biologies I: the biosphere

Katya Gardea Browne

The Center for PostNatural History

Mathias Kessler

Alexandra Regan Toland

 

 

Opening: Friday, 7 March, 2014, 8PM

Exhibition runs: 8 March – 4 May, 2014 (closed 18 – 20 April)

Opening hours: Fri-Sun, 2-6PM (and by appointment)

Artist Talk with Katya Gardea Browne: 30 March, 2014 at 3PM

 

(l) Katya Gardea Browne, Torre, Panoramico Solotepec/ Paisaje, Maiz y Periferia, Mexico, 2014, photograph (r) Alexandra Regan Toland, Wishgarden Series, Flooded Harvest, Watershed map made with floodwater mud on Cobblers' Bridge, Ljubljana, public performance for MOTA Museum of Transitory Art, 2010

 

Instead of a unified conception of existence, such as "world" or "nature", today, in the post-anthropocentric era, we find ourselves confronted rather with a multiplicity of structures and a blurring of boundaries. This show is part of a series of exhibitions - [macro]biologies and [micro]biologies - dedicated to artistic reflection on current drastic changes to how we connect, relate and interrelate to the worlds around us.

 

For [macro]biologies I: the biosphere we have chosen four important international artists dealing with the structures and systems of our world. The exhibition focuses on the ecosystem and the biosphere with billions of life forms that interrelate with other systems (i.a. geologie and climate).

 

Location (1): Project space ALB, Prinzenallee 34:

 

The recent works of Mexico City based artist, photographer and filmmaker Katya Gardea Browne have stressed the cultural and environmental tensions between urban and rural in and around the megacity Mexico D.F.

 

For the exhibition she has produced three video works about different aspects of threatened ecosystems. Xochimilco (2014, 7:45 min., projection in the back room) is a meditative journey through the waterways of the district of the same name in the Mexico capital. The peaceful rhythm enables one to reflect upon the drastic changes in a megacity which originally was made up of flourishing wetlands. Only occasional acoustic moments betray a human presence. However, the biosphere dominates, especially the so-called "chinampas" ("floating islands"), upon which Gardea Browne plays with color filters, rapidly switching between color and black and white. Continuous views of water and reflections as well as the waterside, the boundary between water and land, point to the peripheral - a moment that can always be found both aesthetically and politically in the works of Gardea Browne.

 

The video Panoramas (2014, 8:03 min., small monitor, back room) can be seen as a homage to the Mexican landscape, both urban and rural. The journey out of Mexico City through plains and over mountains is compressed by a stacatto stop-motion effect, which arises from the juxtaposition of Gardea Browne 's countless photographs.

 

The video Maîs (2014, 16:14 min., front room) deals with the cultivation and use of maize in Mexico. Gardea Browne made the video recordings in various locations, including Quetzalan (Puebla), Solotepec (Estado de Mexico) and Huamantla (Tlaxcala). The video provides an insight into the unique maize cultivation of so-called "milpas" (corn fields with mixed cultivation, see Sourcebook) and refers to the fundamental importance of maize in Mexico.

 

In the display case (in the front room), the artist has arranged various objects, playing on themes from the video works, including books and postcards of Xochimilco, as well as traditional varieties of Mexican maize and artifacts associated with the fertility of the soil.

More about Katya Gardea Browne's artist talk (30 March, 2014)

 

(l) Center for PostNatural History, Postnatural Organisms of the European Union, Waag Society, Amsterdam 2012 (r) Mathias Kessler, Jarrells Cemetary, N37° 53.96' W81° 34.71'. Eunice Mountain, West Virginia, Austrian Culture Insitute, NYC, 2013

 

The Center for PostNatural History, based in Pittsburgh in the U.S., is an art and research project (Director: Richard Pell, Learning Science Advisor: Lauren Allen, Designer: Mason Juday) dealing with the history of mankind's manipulation of life forms, from early agriculture to genetic modification. The PostNatural refers to life forms that have been intentionally altered by humans through domestication, selective breeding and genetic engineering. Towards this end, the CPNH produces thematic multimedia exhibitions, printed works and maintains a collection of living, preserved and documented specimens of postnatural origin.

 

Art Laboratory Berlin will present the work PostNatural Organisms of the European Union, a form of museum representing biofacts of living, preserved and documented organisms. Among the exhibits are the red canary, a transgenic mosquito developed to fight malaria and documentation of the Svalbard seed vault.

 

Location (2): Theatre hall, Prinzenallee 58 (2nd backyard):

 

New York based artist Mathias Kessler's deals, among other things, with the phenomenon of changing landscapes caused by human intervention. For this exhibition, he presents contradictory phenomena and images in both exterior and interior spaces: in urban space (beginning on Prinzenallee, then in the courtyard of Prinzenallee 58) he has applied computer processing to photographs taken in the Florida Everglades. The images depict romanticized sunsets and refer to an idealized image of nature that is a human construction. With these motifs - wheat pasted posters in public spaces - Kessler plays with the ephemeral and literally fast fading quality of such artificial constructions.

 

In the interior space (Theatre hall, PA 58), however, Kessler deals with radical views of nature - in this case the destruction of whole landscapes by industry. His aerial photography and documentation of mountain top removal coal mining in the Appalachian Mountains focuses attention on the human ability to shape the very Earth around us, but also on the disastrous consequences of modern hubris.

 

The Berlin based artist and ecologist Alexandra Regan Toland works on multiple levels to create social awareness about urban ecological systems. As a soil studies scientist she examines the resilience of urban flora; in her artistic work she involves combining social awareness of urban nature with community activism. For the exhibition she will use cartographic documents, urban dust, and a collection of shoe profiles to examine the pressures of soil sealing (i.e. the widespread pavement of porous surfaces) on human and non-human biological communities in Berlin.

 

As well as a map of Berlin made of soil and dust, Toland will present the public with the results of her research. Visitors will also be invited to participate in Toland's project by taking part in an interview and by donating sole profiles of an old pair of shoes.

 

Regine Rapp & Christian de Lutz (Curators)

 

 

Cooperation partners: degewo, fotoscout, Genossenschaft PA58

 

 

Supported by:

 

 

This exhibition is made possible in part by a generous gift from Michael Schröder.

 

 

Media partner:

Artist Presentation: Nasim Manouchehrabadi: Macht der Form, Form der Macht - 25.10.-27.10.2013

 

Präsentation und Gespräch

Nasim Manouchehrabadi: 'Macht der Form, Form der Macht'

 

25.10.2013, 19 - 23 Uhr; 26.10. - 27.10.2013, von 14 - 18 Uhr; Künstleringespräch mit Nasim Manouchehrabadi am 26.10.2013, 15 Uhr

 

Sommer 2009, Berlin. Eigentlich hatten wir keinen Zweifel, dass er abgewählt würde. Doch dann wurden die Ergebnisse bekanntgegeben und Ahmadinejad erklärte sich erneut zum Präsidenten. Es war ein großer Wahlbetrug, und während wir hier zwischen Zorn und Fassungslosigkeit hin- und hergerissen waren, kam es in Teheran zu den größten Massenprotesten seit dem Sturz des Schah-Regimes. Plötzlich war eine Aufbruchstimmung da, erstmals begehrte die Bevölkerung offen gegen das Mullah-Regime auf und machte vor aller Welt die Illegitimität der Herrscher sichtbar. Doch das System reagierte mit Härte und schlug den Aufstand gnadenlos nieder, mit zahlreichen Toten und Verletzen.

 

So beschreibt die in Teheran geborene und in Berlin lebende Künstlerin und Designerin Nasim Manouchehrabadi die Ereignisse nach den Präsidentschaftswahlen im Jahre 2009. Sie waren ein wichtiger Impuls für die Entstehung ihrer Arbeit "Macht der Form, Form der Macht", die vom 25.10. bis 27.10. bei Art Laboratory Berlin zu sehen sein wird.

 

Aber nicht nur politische Proteste gegen das islamische Regime 2009 und Konflikte in der modernen iranischen Gesellschaft dienten der Künstlerin als Ausgangspunkte ihrer künstlerischen Auseinandersetzung. Seit langer Zeit beschäftigt sich Nasim Manouchehrabadi mit der Geschichte der islamischen Ornamentik, die ihren Ursprung im Bilderverbot des 8. Jahrhunderts hat und bis heute eine wesentliche Ausdrucksform der islamischen Welt ist. Die Künstlerin versucht, der Wahrnehmung und Wirkung der geometrischen Ornamentik eine neue Richtung zu geben.

 

In Form eines Teppichs, der in vielerlei Hinsicht stark semantisch aufgeladen ist, bringt sie kulturelle, soziale und politische Aspekte des modernen Lebens im Iran zusammen. Der Teppich besteht aus verschiedenen Elementen, aus besticktem Stoff, Teilen aus Plexiglas und auf Stoff gedruckten Fotografien. Die Arbeit kann auf zwei Ebenen wahrgenommen werden: zum einen ästhetisch durch Form und Material und zum anderen inhaltlich und ideologisch.

 

-Kuratiert von Olga Shmakova

 

 

Nasim Manouchehrabadi, Macht der Form, Form der Macht, 2011

Synaesthesia / 4 Translating, Correcting, Archiving - 31.05.-21.07.2013 (DE)

Eva-Maria Bolz, Die Innere Vision (Die Rose und die Nachtigall, Oscar Wilde), 2013, Detail
Ditte Lyngkær Pedersen, Why Is Green a Red Word?, Videostill, 2003 - 2013
Andy Holtin, Corrections, Videostill, 2009

Synaesthesia / 4: Translating, Correcting, Archiving

Eva-Maria Bolz, Ditte Lyngkaer Pedersen, Andy Holtin

 

Vernissage: 31.05.2013, 20Uhr

Ausstellungslaufzeit: 1.6. - 21.7.2013

Öffnungszeiten: Fr - So, 14-18 Uhr u.n.V.,

 

Synaesthesia/ 4: Translating, Correcting, Archiving präsentiert die Arbeiten von Ditte Lyngkær Pedersen (DK), Eva-Maria Bolz (D) und Andy Holtin (USA). Die Ausstellung widmet sich ausgewählten künstlerischen Strategien zur Dekodierung des Phänomens der Synästhesie. Es ist bezeichnend, dass alle drei Künstler unterschiedliche Formen der synästhetischen Wahrnehmung erleben.

 

Die graphemisch und räumlich synästhetisch begabte Künstlerin Ditte Lyngkær Pedersen hat seit 2003 ein umfangreiches Videoarchiv mit Interviews zur multisensorischen Wahrnehmung von Synästhetikern angelegt, die die Erfahrungen Einzelner dokumentieren und zugleich die unüberbrückbare Kluft zwischen dem individuellen Themengebiet und dem Publikum deutlich machen.

 

Ihr Projekt Why Is Green a Red Word? präsentiert Interviews mit Synästhetikern und Wissenschaftlern, des weiteren werden konzeptuelle Videoarbeiten wie What the Hell does Purgatory Look Like? gezeigt. Eine Serie von Zeichnungen visualisiert die räumliche Vorstellung von Zahlen unterschiedlicher Synästhetiker. Zur Ausstellungseröffnung erscheint das Künstlerbuch Why Is Green a Red Word? von Ditte Lyngkær Pedersen.

 

Die Berliner Künstlerin Eva-Maria Bolz, die eine graphemische und lexikalische Synästhesie empfindet, widmet sich der Erforschung der Beziehung von Farbe, Text und Wahrnehmung. Bei ihrer individuellen Form der Synästhesie empfindet sie eine unveränderliche Assoziation von Farben zu Zahlen, Buchstaben und bei der lexikalischen Synästhesie zu ganzen Wörtern. Wahrnehmung wird zu einem Filter, durch den Buchstaben, Worte – der Text an sich – in Farben übersetzt und aus einer Menge allgemein bekannter Zeichen in eine Nachricht verwandelt wird, die nur von einer bestimmten synästhetischen Empfindung erfasst werden kann. Das Projekt Der Innere Monitor, das Eva-Maria Bolz bei Art Laboratory Berlin präsentiert, folgt ihrer subjektiven Wahrnehmung, dass Farben und Buchstaben einen bestimmten Code bilden, durch den ein Text in Farbstreifen übersetzt werden kann. Jeder Buchstabe entspricht dabei einem bestimmten Farbton. Indem die Künstlerin gezielt Texte verwendet, die intensive Farbbeschreibungen enthalten, wie etwa Oscar Wildes Die Rose und die Nachtigall, macht sie den Text durch die Augen eines Synästhetikers erlebbar. Zur Ausstellung wird Bolz fünf ausgewählte Texte in Form großer Farbtafeln präsentieren. Zusätzlich zu den Farbtafeln wird eine Dokumentation in Form eines Künstlerbuchs angelegt.

 

Andy Holtin verfügt über eine graphemisch-synästhetische Wahrnehmung, verbunden mit einer bestimmten Farb-Nummer-Assoziation. Er sieht Zahlen in bestimmten Farben, überdies noch variiert durch eine partielle Rot-Grün-Blindheit, die nur bestimmte Nuancen betrifft.

In seinem Video Corrections (2009) sieht man, wie eine Hand verschiedene Zahlen auf Fotografien von Hinweistafeln und Namensschildern durch Kolorierung erweitert. Corrections demonstriert die Lücke zwischen dem Gegenstand und dessen subjektiv sinnlicher Wahrnehmung ebenso wie die persönlichen Eindrücke des Künstlers selbst. Durch das schnellere Abspielen der Aufnahme erscheint der Akt des Kolorierens grotesk und die Handlung der malenden Hand bekommt darüber hinaus etwas Slapstick-artiges. In seinem Video Connections (2013) untersucht der Künstler die Schwierigkeit, der er begegnet, wenn Objekte eine bestimmte Farbe haben und diese sich mit der farblich wahrgenommenen Nummer treffen. Entsprechend seiner synästhetischen Wahrnehmung empfindet Holtin das als Verknüpfung.

 

Während dieser Ausstellung, die den Abschluss der Synästhesie-Ausstellungsreihe darstellt, wird Art Laboratory Berlin die internationale interdisziplinäre Konferenz „Synaesthesia. Discussing a Phenomenon in the Arts, Humanities and (Neuro-)science“ realisieren.

(5 & 6 Juli 2013, Theater Glaskasten, Prinzenallee 33, direkt neben Art Laboratory Berlin)

 

Mehr Informationen unter: http://artlaboratory-berlin.org/home.htm

 

Regine Rapp & Christian de Lutz (Kuratoren)

rapp@artlaboratory-berlin.org cdelutz@artlaboratory-berlin.org

 

Presse: Olga Shmakova

olga.shmakova@artlaboratory-berlin.org

 

Mit freundlicher Unterstützung von: Danish Arts Council, degewo und fotoscout.

 

Medienpartner: - art-in-berlin

 

Die Synaesthesia Reihe wurde von Michael Schröder unterstützt.

 

 

 

 

Synaesthesia / 4 Translating, Correcting, Archiving - 31.05.-21.07.2013 (EN)

Eva-Maria Bolz, Die Innere Vision (Die Rose und die Nachtigall, Oscar Wilde), 2013, Detail
Ditte Lyngkær Pedersen, Why Is Green a Red Word?, videostills, 2003 - 2013
Andy Holtin, Corrections, videostills, 2009

Synaesthesia / 4: Translating, Correcting, Archiving

Eva-Maria Bolz, Ditte Lyngkær Pedersen, Andy Holtin

 

Opening: 31.05.2013, 8 PM

Exhibition runs 1 June - 21 July, 2013

Open: Fri-Sun, 2-6 PM and by appointment

 

Synaesthesia / 4: Translating, Correcting, Archiving presents works by Ditte Lyngkær Pedersen (DK), Eva-Maria Bolz (D) and Andy Holtin (USA). The exhibition devotes itself to selected artistic strategies for decoding the phenomenon of synaesthesia. It is significant that all three artists experience different forms of synaesthetic perception.

Since 2003, Ditte Lyngkær Pedersen, herself a synaesthete, has created an extensive video archive of interviews about the multi-sensory perception of synaesthesia that document the experiences of individuals and at the same time make the unbridgeable gap between this topic and the audience clear.

 

Her project Why Is Green a Red Word? is comprised of interviews with synaesthetes and scientists, but also includes conceptual video works such as What the Hell does Purgatory Look Like? and drawings depicting the spatial imagination of number forms by different synaesthetes. Contemporaneous with the exhibition opening will be the publication of Ditte Lyngkær Pedersen’s artist book Why is Green a Red Word?

 

The work of the Berlin artist and grapheme and lexical synaesthete Eva-Maria Bolz is dedicated to an exploration of the relationship between colour, text and perception. In her individual form of synaesthesia she feels an unchanging association of colours to numbers, letters, as well as whole words. Perception becomes a filter through which letters, words – text in itself – are translated into colours and transformed from a set of well-known characters into a message that can be detected by means of a particular synaesthetic sensibility.

The project Der Innere Monitor, which Eva-Maria Bolz presents at Art Laboratory Berlin, follows her subjective perception that colours and letters form a specific code through which a text can be translated into blocks of colour. Each letter corresponds to a specific colour. When the artist deliberately uses texts that contain intense colour descriptions such as Oscar Wilde's The Rose and the Nightingale, she asks us not only to explore the perceived differences, but also to experience the text through the eyes of a synaesthete. In the exhibition Bolz will present five selected texts in the form of large colour plates. In addition to the colour plates, documentation is created in the form of an artist book.

 

Andy Holtin has grapheme synaesthesia, connected with a particular colour-number association. He sees numbers in specific colours, moreover, this is influenced by a partial red-green colour blindness, affecting certain nuances. In his video Corrections (2009) you can see how a hand colours in the numbers of different signs and nameplates in photographs. Corrections demonstrates the gap between the object and subjective sense perception as well as the personal impressions of the artist himself. By speeding up the video, the act of colouring in appears grotesque as the act of artist's hand achieves a form of slapstick. In his video Connections (2013) the artist examines the complications he experiences when objects share a colour with a particular number due to Holtin’s individual synaesthetic experience, creating an extended perceptual relationship.

 

During this final exhibition the synaesthesia series, Art Laboratory Berlin will host an international interdisciplinary conference "Synaesthesia. Discussing a Phenomenon in the Arts, Humanities and (Neuro-)science" (5 & 6 July, 2013, Glaskasten Theatre, Prinzenallee 33, next to Art Laboratory Berlin).

 

More Information at: http://www.artlaboratory-berlin.org/home_eng.htm

 

Regine Rapp & Christian de Lutz (Kuratoren)

rapp@artlaboratory-berlin.org cdelutz@artlaboratory-berlin.org

 

Presse: Olga Shmakova

olga.shmakova@artlaboratory-berlin.org

 

With the generous support of:The Danish Arts Council, degewo and fotoscout.de

 

Media partner: art-in.berlin

 

The Synaesthesia series is supported in part by a generous gift from Michael Schröder.

KONFERENZ: Synaesthesia. Discussing a Phenomenon in the Arts, Humanities and (Neuro-)Science - 05.06.-06.06.2013

Synaesthesia.Discussing a Phenomenon in the Arts, Humanities and (Neuro-)Science

5./6.Juli 2013

Theater Glaskasten, Prinzenallee 33, Berlin-Wedding

Als theoretische Ergänzung zur laufenden Ausstellungsreihe SYNAESTHESIA (Oktober 2012 - Juli 2013/ http://artlaboratory-berlin.org/html/de-ausstellung-archiv.htm) hat Art Laboratory Berlin die internationale interdisziplinäre SYNAESTHESIA-Konferenz konzipiert, um das Gebiet multisensorischer Wahrnehmung weiter zu erforschen und theoretisch zu befragen.

 

Der Begriff „Synästhesie“, aus dem Griechischen „Aisthesis“ („Empfindung”, „Sinneseindruck“) und „syn“ („zusammen", „gemeinsam"), meint die Erfahrung zweier oder mehrerer Sinneseindrücke zur selben Zeit. Heutzutage ist in der Natur- und Geisteswissenschaft sowie der zeitgenössischen Kunst ein auffallend starkes Interesse für gekoppelte Sinneswahrnehmungen zu erkennen. Dies ist nicht verwunderlich: Unser gegenwärtiges alltägliches Leben hat in den letzten Jahren mehr und mehr multimediale und multisensorische Verfahrensweisen evoziert. Diese radikale technologische Entwicklung der letzten 25 Jahre wird besonders deutlich im Bereich der Kommunikationstechnologie: Musikvideo (Text, Musik, Farbe), Computer (als „totales“ sensorisches Objekt), sowie die neusten vielfältigen Formen der Mobiltelefone, die längst nicht mehr nur für Anrufe, sondern auch als Photokamera, Musikplayer oder Computer gebraucht werden.

 

Es ist das Ziel von Art Laboratory Berlin, die spezifischen Impulse unserer modernen komplexen, synchronisierten und technisierten Gesellschaft auf das Phänomen der Synästhesie mit ihrer markanten Form der sensorischen Fluktuation zu erfassen. In der Konferenz werden wir die Themen aus verschiedenen wissenschaftlichen Bereichen (den Geisteswissenschaften, der Kunst sowie den Natur- und Sozialwissenschaften) in Bezug sowohl auf den historischen Kontext als auch auf die zeitgenössische Forschung diskutieren. Dabei werden folgende Themen reflektiert: Synästhesie und der neurologische Diskurs (Gedächtnis und Erkenntnis; Sinneswahrnehmung); Synästhesie – zwischen Wahrnehmung und Subjektivität; Synästhesie und Sprache; synästhetische Modalitäten (Graphem-Synästhesie; Synästhesie in Verbindung mit Geruch, Geschmack, Berührung, Bild und Ton); Synästhesie in der Kunst-und Kulturgeschichte (Bildende Kunst, Literatur und Film); Synästhesie und die digitale Welt (Synästhesie im 21. Jahrhundert).

 

Die Synästhesie-Konferenz ist kostenlos und offen für alle Interessierte, Anmeldung nicht erforderlich. Spenden sind sehr willkommen.

 

Konzept der Konferenz: Regine Rapp & Christian de Lutz, Art Laboratory Berlin

 

Realisierung der Konferenz: Das Art Laboratory Berlin-Team: Regine Rapp, Christian de Lutz, Olga Shmakova, Chiara Cartuccia, Chiara Massari, Anastasia Shavlokhova, Ashley Chang

 

Kooperationspartner: Association of Neuroesthetics_Platform for Art and Neuroscience, fotoscout

 

Media-Partner: art-in-berlin 

 

Mit freundlicher Unterstützung von: Schering Stiftung

 

Mehr Informationen

 

CONFERENCE:

Synaesthesia. Discussing a Phenomenon in the Arts, Humanities and (Neuro-)Science

 

5/ 6 July, 2013

 

Theater Glaskasten, Prinzenallee 33, Berlin-Wedding

 

As a theoretical addition to our ongoing exhibition series SYNAESTHESIA (October 2012 - July 2013/ http://artlaboratory-berlin.org/home_eng.htm), Art Laboratory Berlin will hold an international interdisciplinary conference to further explore and theoretically question the field of multisensory perception.

 

The term "synaesthesia", from the Greek "aisthesis" ("Sensation", "sensory impression") and "syn" ("together") means the experience of two or more sensory impressions at the same time. Currently there is a strikingly strong interest in the coupling of the senses in science, humanities and in contemporary art. This should come as no surprise: Our daily life in recent years has been subject to ever more multimedia and multisensory experiences. Comparing the latest technologies in the field of communication we come upon the radical technological development during the last 25 years: music video (text, music, colour), computer (as "total" sensory object) and also newest multiple forms of mobile phones (not only used for calls, but as a photo camera, music player or text machine, etc.).

 

It is the aim of Art Laboratory Berlin to grasp the specific impulses of our current complex, synchronous and technologised society on the phenomenon of synaesthesia, with its distinctive form of sensory fluctuation. For the upcoming conference, we are interested in discussing issues from diverse scholarly fields - humanities, arts as well as natural and social sciences - regarding both historical positions and contemporary inquiries. We will reflect topics such as: synaesthesia and the neurological discourse (memory and cognition; sensory perception); synaesthesia - between perception and subjectivity; synaesthesia and language; synaesthetic modalities (grapheme synaesthesia; synaesthesia of smell, taste, touch, sound and vision); synaesthesia in art and cultural history (in visual art, literature and film); synaesthesia and the digital world (synaesthesia in the 21st century).

 

The Synaesthesia-Conference is open to the public and free of charge - donations are very welcome.

 

Conference Concept: Regine Rapp & Christian de Lutz, Art Laboratory Berlin

 

 

Realisation of Conference: The Art Laboratory Berlin Team: Regine Rapp, Christian de Lutz, Olga Shmakova, Chiara Cartuccia, Chiara Massari, Anastasia Shavlokhova, Ashley Chang

 

Cooperation partner: Association of Neuroesthetics_Platform for Art and Neuroscience, fotoscout

 

Media partner: art-in-berlin

 

Supported by: The Schering Foundation art-in-berlin

 

 

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Kontakt

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Art Laboratory Berlin

Prinzenallee 34

13359 Berlin

 

+49 (0)173.621 6347

info[at]artlaboratory-berlin.org

www.artlaboratory-berlin.org

 

Ansprechpartner

Christian de Lutz und Regine Rapp

 

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und nach Vereinbarung

Über Art Laboratory Berlin

Art Laboratory Berlin versteht sich als eine Plattform für Projekte im Grenzbereich zwischen bildender Kunst und den angrenzenden Künsten und Wissenschaften. Das Hauptinteresse gilt der Präsentation und Vermittlung zeitgenössischer Kunst an der Schnittstelle zu anderen kreativen Bereichen, wie beispielsweise Literatur, Musik oder Naturwissenschaft. Mit drei Themenausstellungen zu jedem dieser Bereiche werden die vielfältigen Aspekte des Zusammenspiels zweier, auf den ersten Blick nicht direkt miteinander in Verbindung stehender Gattungen zur Diskussion gestellt.

 

Zum Zweck der Vermittlung der zeitgenössischen Kunst und der Erforschung ihrer Interaktion mit anderen Bereichen zählen Gespräche mit den ausstellenden KünstlerInnen ebenso zum Bestandteil des Ausstellungsprogramms wie Kuratorengespräche, Workshops, themenrelevante Vorträge und Filmvorführungen.

 

ART LABORATORY BERLIN wird derzeit geleitet von Christian de Lutz und Regine Rapp.

Olga Shmakova ist kuratorische Assistentin.

About Art Laboratory Berlin - engl

Art Laboratory Berlin, as a non-commercial art space, was established as a platform for projects concentrating on the border between visual arts and related artistic and scholarly fields.

The main focus of interest is the exhibition and placement of contemporary visual art that interacts with other creative areas such as music, literature, or science. Each of these points of interaction is represented by a series of three exhibitions. Our goal is to explore the manifold approaches of interaction and interconnection between these genres.

Art Laboratory Berlin also supports contact between artists and the public as part of our exhibitions. To improve the understanding of emerging and experimental art, we include public discussions with artists. Additionally our program includes curators’ talks, workshops, lectures and film screenings.

Art Laboratory Berlin is currently led by Christian de Lutz and Regine Rapp, with Olga Shmakova as assistant curator.

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